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Vieuxtemps, que, entre outras coisas, foi professor no Conservatório de Bruxelas (Eugéne Ysaÿe um dos seus alunos), escreveu a Grande Sonata (1843) quando tinha apenas vinte e dois anos. Não é incomum para um jovem compositor, a obra reflecte a influência de outro compositor, neste caso Beethoven, mas é algo mais do que uma mera imitação ou pastiche. Depois de abrir com um floreado cativante, “Allegro Assai” mergulha rapidamente no seu mundo sonoro melodicamente luxuriante com uma série de temas suplicantes entregues apaixonadamente pela dupla. Um motivo inicial é eventualmente repetido antes de o andamento terminar com uma coda tão dramática como a sua abertura. Com mais de dezasseis minutos e rico em contrastes, o primeiro andamento é uma verdadeira aventura sonora. Com metade do seu comprimento, o “Scherzo” encanta com um tema lúdico e de gangorra; o “Largo ma non tropo”, um pouco mais longo, é uma criatura digna que se transforma de uma introdução majestosa numa expressão fervorosa que em momentos atinge o êxtase. A diversão regressa ao harmonioso “Rondo” enquanto os instrumentos acompanham a onda alegre da música até que um acorde de Ré Maior conduz a sonata a uma grande conclusão.

As cinco peças que se seguem não são tão épicas como a Grande Sonata, mas ainda assim têm muito a recomendá-las. Duas peças de Franck aparecem primeiro, Andantino quietoso (também de 1843), escrita para ele e o seu irmão violinista Joseph interpretarem, e Mélancolie, publicada um ano após a morte do compositor, baseada num dos seus exercícios de solfejo. O Andantino quietoso apela pelo seu tom queixoso e solenidade sincera, a Mélancolie silenciosa ainda mais comovente. Iluminando o clima, a Berceuse de Fauré, composta entre 1878 e 1879, seduz com melodias doces e ritmos cadenciados. Concluída em 1915, a poética Élégie de Saint-Saëns evita a melancolia antecipada prometida pelo título por um lirismo menos previsível, após o qual o cativante Caprice d'après l'Etude en forme de Valse, co-transcrito Saint-Saëns e Ysaÿe ( porque este último transformou um estudo de piano do primeiro num arranjo duo para violino e piano), conclui o álbum com uma nota alegre.

Curiosamente, há momentos durante a gravação em que o tom vocal do violino de Monteiro pode ser confundido com o de uma viola. As apresentações são também intensamente pessoais, onde o toque humano é sempre sentido (não há nada de robótico nas suas passagens rápidas, por exemplo), e a intimidade da sua execução cria a impressão de que os dois tocam na sala de estar e não numa sala de concertos. . Gravado durante dois dias em julho de 2024, The Franco-Belgian Album constitui um valioso complemento à discografia que o violinista português e o seu parceiro de recital de longa data vêm construindo há muitos anos.”

“Henri Vieuxtemps foi um dos grandes violinistas do século XIX. Nasceu em Verviers em 1820. Nasceu em Verviers em 1820 e tornou-se membro da Academia Real da Bélgica aos 25 anos.

Embora os seus oito concertos para violino, os seus dois concertos para violoncelo e as grandiosas peças virtuosas para violino gozem de grande popularidade, a sua música de câmara é relativamente e raramente interpretada. A sua sonata para viola, no entanto, tem sido gravada com mais frequência do que a Grande Sonata para violino e piano, que Bruno Monteiro e João Paulo Santos tocam neste disco.

O primeiro andamento, tão rico em estrutura e clima, é seguido por um scherzo animado com um trio de nuances finas. Depois vem um Largo, que soa muito melancólico nesta interpretação, e um Rondó espirituoso.

Enquanto na Sonata Vieuxtemps os dois músicos primam por um som brilhante e leve, nas peças de Franck encontram um som mais quente e aveludado que se adequa a estas obras. Também no Saint-Saëns e no Fauré não se preocupam particularmente com o brilho, e a sua execução é de grande calor e sensualidade. O programa termina com um capricho composto por Ysaÿe a partir de um estudo de Saint-Saëns, que exige do violinista um virtuosismo incrível.

A Vieuxtemps Sonata, com 45 minutos de duração, ocupa a maior parte do variado e colorido programa.”

“Repertório brilhantemente escolhido, excepcionalmente bem tocado e gravado. As conhecidas obras-primas de Elgar, Debussy e Ravel são habilmente justapostas com músicas mais recentes de Barbosa e Ivan Moody – mais tarde exemplares nacionais dos seus grandes antepassados. A execução está repleta de frases subtilmente matizadas de ambos os talentosos músicos, e este disco invulgar, mas valioso, é fortemente recomendado para aqueles que procuram caminhos pouco conhecidos, mas valiosos, de desenvolvimento musical.”

“Bruno Monteiro e João Paulo Santos apresentam um programa de concertos de versões originais para violino e piano, entre grandes nomes da história da música do século XX, entre os quais o compositor português Luíz Barbosa e o recentemente falecido Ivan Moody. Inicia-se com a invulgar Sonata para Violino em Mi menor Op. 82 de Edward Elgar, de 1918, contrastando com a Sonata de Debussy, concebida no mesmo ano. São obras difíceis, complicadas nas suas texturas, e que mostram sinais da sonoridade pastoril e britânica característica de Elgar. Monteiro não mergulha na escuridão wagneriana, mas mantém as coisas em movimento, mesmo no romance central altamente melódico, onde o vibrato forte tem sido a norma da sua execução. À medida que as composições de Debussy começam a afastar-se do tipo de música pictórica e sensual que impulsionou o seu trabalho nos 15 ou 20 anos anteriores. Na verdade, oferece um vislumbre das maravilhas musicais puramente abstractas que o compositor poderia ter criado se não tivesse sucumbido ao cancro aos 55 anos. O programa completa-se com  Tzigane de Ravel e os mais que interessantes Romance de Barbosa e Ascent de Moody, obra concebida durante a pandemia de Covid pelo britânico. É um recital fresco muito bem gravado e exige uma atenção especial pelo seu interesse.”

A gravação começa com a Sonata para Violino e Piano em Mi menor Opus 82 de Edward Elgar (1857-1934). O ensemble começa de forma apaixonada e lírica e traz à tona o caleidoscópio completo que está por trás do violino de Monteiro. O romântico Andante que se segue está repleto de sentimento. Parece que o violino e o piano dialogam como dois amantes. Uma peça onde se encontra paixão, mas também muita tranquilidade. Como um suave alívio para o coração que às vezes bate.

Quando Debussy (1862-1918) escreveu a sua Sonata para violino e piano em sol menor, ele passava por um período difícil de saúde. Esse pathos melancólico também pode ser ouvido na peça. O piano deve, por assim dizer, apoiar temporariamente o violino para finalmente conseguir um belo diálogo rítmico. É um pouco como contar uma história sobre força de vontade, onde o violino finalmente assume o controlo.

Um pouco de chauvinismo com um compositor português, Luís Barbosa (1887-1952). A sua Romance para violino e piano não foi gravada anteriormente. Ele próprio foi um dos maiores violinistas portugueses. A peça é um grande exemplo de música de câmara. Neo-romântico nostálgico com belos diálogos entre piano e violino como parceiros iguais que juntos atingem pequenos clímax que continuam a expandir a peça num belo todo. Uma peça para desfrutar particularmente num momento de tranquilidade.

O compositor britânico Ivan Moody (1964-2024) era particularmente fascinado por temas bíblicos e escreveu o intimista Ascent para Violino e Piano durante a pandemia de Covid. Acima de tudo, parece uma obra de esperança e conforto. Pode ser vivenciada principalmente como uma experiência meditativa e mostra que as pessoas não precisam temer. Como se houvesse uma grande sensação de segurança na peça. Sente-se o frio da morte e também a solidão. Mas também se sente a luz convidativa que pode vir de um possível outro lado. Uma peça que transforma um ponto final em um novo começo. O próprio compositor faleceu 12 dias após esta gravação.

Esta gravação em cinco partes termina com uma obra de Ravel, a Tzigane Rapsodie de Concerto para Violino e Piano. Uma bela peça virtuosa depois de toda a sua modéstia, que se liberta no ouvinte como uma lufada de ar fresco. Muito catártico!”

Quatro obras do início do século XX para violino e piano ao lado de uma mais recente num recital maravilhosamente abrangente da dupla portuguesa que encontra em Elgar toda a espécie de novas cores e dá um certo estilo a Ravel

“O mais recente disco do violinista português Bruno Monteiro e do pianista João Paulo Santos na Etcetera, reúne quatro obras para violino e piano, todas escritas nos primeiros vinte e cinco anos do século XX, as sonatas para violino de Elgar e Debussy, a Romance para Violino e Piano de Luíz Barbosa e Tzigane de Ravel, ao lado destes Monteiro incluiu Ascent para Violino e Piano do compositor contemporâneo Ivan Moody.

Bruno Monteiro e João Paulo Santos gostam tanto das estradas como dos atalhos do repertório romântico. Fiz crítica pela última vez à gravação dos trios com piano de Ernest Chausson e Eugene Ysaÿe e eles também nos deram um disco de sonatas para violino de Luís de Freitas Branco, Maurice Ravel e Heitor Villa-Lobos.

Neste disco começamos com a Sonata para Violino de Elgar, uma das obras de câmara tardias que ele escreveu em 1918, todas notavelmente diferentes na sua abordagem à música. Ao ouvir Monteiro e Paulo Santos, lembramos que Elgar tinha uma reputação significativa entre os seus contemporâneos europeus, a sua música era vista como europeia. O andamento de abertura parece, por vezes, quase de um compositor diferente, pois Monteiro e Paulo Santos trazem outras ressonâncias. Esta é uma música tempestuosa e apaixonada, com Monteiro tocando com um som ricamente vibrante e um uso de portamento que traz uma nova qualidade à música. Isto continua no adorável andamento lento, onde o som de Monteiro é ricamente sombrio e os dois dão à abertura uma qualidade, às vezes, cigana. Há nobreza e paixão, mas este é o Elgar visto de fora, e maravilhoso também. O final, equilibrado e lindamente formulado, é talvez o que soa mais convencionalmente inglês dos três.

A Sonata para violino de Debussy tem um lugar semelhante à de Elgar, pois faz parte de um grupo de obras de câmara tardias de um compositor que estava a morrer e que escreveria pouco mais (Elgar simplesmente recuou para o silêncio). O tom e a abordagem são os mesmos, mas Monteiro também confere uma qualidade um tanto velada na abertura, e frases com belo equilíbrio. O andamento lento começa com uma seção intensa e rapsódica, evoluindo para algo vívido e altamente colorido. Talvez não tão léger quanto se poderia imaginar, mas definitivamente fantástico. Foi neste andamento que mais notei a acústica da gravação, pois há muito espaço no redor dos músicos, o violino de Monteiro é ouvido distintamente n um local com acústica, ao invés de ser microfone perto e quase sem sentido de fundo. Estamos de volta à terra da rapsódia com a abertura do andamento final, mas também o piano sugere elementos exóticos, e então os dois permitem que a actividade vívida do andamento aumente pouco a pouco até a um belo clímax.

Luíz Barbosa foi um grande violinista, nasceu e morreu em Lisboa. A sua única composição conhecida é a Romance. Na verdade, uma peça de salão, Monteiro e Santos dão-lhe uma performance tão empenhada, ricamente apaixonada, cheia de tons vibrantes e execução com personalidade, que a levam para um mundo diferente e a peça de três minutos e meio definitivamente faz uma boa ponte para o Ravel.

Ascent para violino e piano é uma das últimas obras de Ivan Moody, escrita em 2020 durante a pandemia e dedicada a uma colega falecida na época. Um polímate incomum, de acordo com o seu obituário na Gramophone, "Moody ocupou vários cargos académicos, incluindo professor de música sacra na Universidade da Finlândia Oriental de 2012 a 2014, e trabalhou extensivamente como maestro. Ex-membro do coro da Catedral Ortodoxa Russa em Londres, posteriormente serviu como cantor nas paróquias gregas e búlgaras em Lisboa. Em 2007 foi ordenado sacerdote, tornando-se reitor da Paróquia Ortodoxa Sérvia da Transfiguração no Estoril, Portugal.

Monteiro e Santos trabalharam com Moody na peça, que estrearam publicamente em 2021. É bastante livremente rapsódica, mas etérea. A parte do piano, em grande parte de apoio, não vai a lugar nenhum, simplesmente ancora as coisas, permitindo que o violino de Monteiro flutue livremente de uma forma maravilhosa. Moody morreu, prematuramente após uma longa doença, em Lisboa, apenas doze dias depois desta gravação ter sido feita.

Ravel escreveu Tzigane para a violinista húngara Jelly d'Aranyi. Ela tinha uma técnica fantástica, aliada à sua ancestralidade exótica (na época) e embora a música húngara seja muito mais do que apenas violinos ciganos, foram estes que Ravel canalizou para Tzigane. D'Aranyi era uma grande intérprete, as duas sonatas para violino de Bartok foram dedicadas a ela e os dois executaram-nas em Londres no início da década de 1920, RVW dedicou o seu concerto para violino a ela e Holst escreveu o seu concerto duplo para ela e sua irmã! E isso sem falar nas sessões espíritas e na redescoberta do Concerto para Violino de Schumann.

Divulgação completa, acho que Tzigane realmente precisa da orquestra (incluindo a importante harpa) para que funcione melhor. Mas Monteiro é glorioso na longa introdução rapsódica desacompanhada, ele realmente inclin-se a para sons ciganos sombrios, conseguindo fazer algo quase misterioso e ameaçador, e a seção principal tem aquele verdadeiro toque folk. Não há nada claro e arejado aqui, tudo é escuro e pesado. Tal como acontece com o Barbosa, a abordagem arrojada aqui tira a obra do salão.

Gostei imenso deste recital e surpreendeu-me porque Monteiro e Santos conseguiram trazer uma nova gama de cores e timbres às peças, ou tocaram uma música familiar com tal intensidade que esta deixou de ser familiar.”

Monteiro e Santos já realizaram diversas vezes concertos das cinco obras, o que fica evidente na fluidez do tratamento e na autoridade com que são executadas. Embora todas tenham características dramaticamente diferentes, quatro das peças surgiram durante a mesma época, o primeiro quartel do século XX; composta em 2020, a Moody's Ascent é a excepção nesse aspecto. Embora a obra de Ravel siga a de Moody na sequência do álbum, uma linha do século anterior ao actual é estabelecida pelas selecções.

Uma das três peças de câmara escritas no final da sua carreira, a Sonata para Violino e Piano em Mi menor de Elgar, Op. 82 começa com um picante “Allegro risoluto” que a dupla ataca com tenacidade. Surge rapidamente um tema romântico que é articulado com precisão e seguido por outros líricos que prendem o ritmo com langor sonhador. Os parceiros do recital adaptam-se às rápidas mudanças de ritmo e humor do trabalho com autoridade, a sua execução é confiante e as transições são efectuadas na perfeição. Naturalmente mais lento, a “Romance” aromática e estruturada em ABA segue um diálogo docemente melódico com um episódio central destacado por uma expressão de violino terna e de belo ritmo. O final “Allegro non troppo” encerra a obra com um material que inicialmente exala serenidade antes de se render a um impulso mais apaixonado e a uma voz intensa e declamatória do tema inicial.

Debussy estava com a saúde debilitada durante a escrita de sua Sonata para violino e piano em sol menor, mas reuniu energia para completá-la em 1917, um ano antes de sua morte. Estreou-a em Paris em 5 de maio de 1917 com o violinista Gaston Poulet, na última aparição pública do compositor. Um tom sombrio informa o andamento de abertura, mas surge um brilho atmosférico suficiente para identificá-lo como obra do compositor francês. Partindo dramaticamente da primeira parte, a animada segunda, “Intermede”, mistura elementos com toques espanhóis e jazzísticos em uma mistura inebriante, após a qual a exuberante “Finale” avança através de um campo radiante de gestos lúdicos, com o violino veloz de Monteiro liderando o ataque. Barbosa, que nasceu em Lisboa em 1887 e aí faleceu sessenta e cinco anos depois, foi celebrado como um grande violinista e professor. Monteiro homenageia-o como compositor, no entanto, ao apresentar a sua única obra conhecida, uma adorável, embora curta, peça de salão intitulada Romance para Violino e Piano. De coração aberto e edificante, a peça parece ser uma escolha ideal para encore, especialmente quando tem apenas três minutos e meio de duração.

Nascido em 1964, Moody estudou com, entre outros, John Tavener, e é conhecido por obras que, pelo menos pelo título, mostram algum parentesco com seu falecido professor, como Passion and Resurrection (1992) e Akathistos Hymn (1998). Uma de suas últimas obras – Moody faleceu em 2024, doze dias após a gravação de Monteiro e Santos – Ascent for Violin and Piano foi escrita durante a pandemia e dedicada à dupla em memória da compositora Isadora Zebaljan, falecida nessa época. Moody queria que o material exalasse um carácter etéreo e meditativo e pediu aos dois que imaginassem o espírito de Isadora subindo ao céu enquanto executavam esta elegia delicada e silenciosa. Durante a peça de doze minutos, longos sons de violino são sustentados no registro superior do instrumento enquanto esparsos toques de piano sobem para transmitir a ascensão.

Tzigane de Ravel termina o disco com uma nota tour de force com uma série de variações que, ao incorporar cordas duplas, glissandos, harmónicos, pizzicatos e assim por diante, acentuam a vasta gama de possibilidades do violino. Depois de abrir com uma cadência extensa e exploratória que é por vezes exótica e assustadora, Monteiro aventura-se em zonas lúdicas, irreverentes e até rústicas, sendo Santos o seu companheiro alegre em cada passo do caminho. Ao longo do disco, as interpretações dos dois são envolventes e suas interpretações ressoam. (…) O lançamento é um excelente complemento para uma discografia impressionante que estes parceiros do recital estão a construir.”

Nunca faltando um novo desafio, o violinista Bruno Monteiro sabe sempre surpreender-nos, sabendo combinar, como aqui, temperamentos que fazem vibrar o seu instrumento. A execução é tanto mais expressiva e rica quanto o instrumentista encontra em João Paulo Santos, o pianista ideal, um cúmplice subtil e muito empenhado.

“A Sonata ELGAR é a menos conhecida deste primeiro século XX, com destaque para o violinista Bruno Monteiro; ao lado de Debussy, compôs uma excelente introdução, que em 1918 afirmou o estilo maduro do compositor britânico muito oficial, mais conhecido pela sua dimensão sinfónica e pelas suas oratórias; a Sonata é uma obra deliciosa e até cativante, equilibrando sempre o vigor e a nobreza; os dois intérpretes sabem brincar com um diálogo agudo (com fricções singulares) que sabe ser inebriante (o romance central, aqui particularmente cantante, suspenso, acariciante e com um clima sugestivo...). Os dois artistas enfatizam especialmente no 3º andamento a magnitude do Allegro, muito assertivo e até imperioso na sua tonalidade final maior.

Um ano antes (Março de 1917), DEBUSSY completou a sua própria Sonata para violino e piano: uma partitura testamentária que também incorpora a última peça, o último suspiro de um compositor doente que sabe que está condenado (a estreia em maio vê o compositor no piano na sua última aparição pública); a profundidade, a intimidade, a introspecção secreta de um eu afirmado (e que sempre escapa), inscrevem-se aqui com uma rara delicadeza patética, que o violino e o piano expressam numa série de sequências flutuantes, constantemente alusivas, de autêntica poesia. Força (Allegro vivo); A invenção de Debussy é ainda afirmada no andamento central, livre e fantasioso (denominado "caprichoso e leve"), que se estende e se desdobra como se fosse improvisado no famoso ostinato ibérico; Bruno Monteiro e João Paolo Santos electrizam-se nesta série ao mesmo tempo jocosa e sutilmente nostálgica, com manifestações comoventes, francas e conturbadas. É o seu andamento rodopiante e vazio que difunde um clima de alucinação que os performers captam com delicadeza.

RAVEL de 1924 leva ainda mais longe os desafios técnicos: “Tzigane” exige do violinista uma destreza infalível: Glisndi, pizzicati, cordas duplas, saltos harmónicos… Bruno Monteiro aborda sem falta a sucessão de variações como improvisadas livremente, mas num fôlego unitário apesar da necessária volubilidade rapsódica; o violinista muito inspirado sublinha cada efeito contrastante da ampla cadência de abertura, cada projecção entre a paródia e a franqueza, tocando por sua vez referências a Liszt, a Paganini, aí entre a sedução e a vertigem sonora. O tema dançante e furtivo, em intervalo de quinta, afirma um vigor bartokiano idealmente nervoso; aos poucos, a linha do violino vai-se amplificando, desafiando todos os delírios, em extravagância virtuosa, fantástica, exagero furiosamente cigano... até o transe, como Ravel (nos seus últimos andamentos), em tem o segredo (e surpreendentemente expressivo domínio).

A este programa muito ambicioso (que na sua mestria se revela ainda mais merecedor), Bruno Monteiro acrescenta a estreia mundial de “Romance” de Luíz Barbosa, uma peça espaçosa e sonhadora, com um perfume cativante. A mesma atmosfera totalmente suspensa, até hipnótica e ascendente para “Ascent” de Ivan Moody, falecido em 2024. Em cada peça, tão contrastante e distinta, afirma-se a cumplicidade dos dois instrumentistas.”

“As dualidades agradáveis e muitas vezes intrincadas da música convidam a uma exploração particularmente incisiva na forma de duos – às vezes peças compostas especificamente para dois intérpretes, às vezes peças arranjadas para que dois músicos possam aprofundá-las juntos. Quando os trabalhos são bem apresentados pela sua complementaridade e contraste, ambas as abordagens podem ser altamente bem-sucedidas. Um novo lançamento da Et’cetera Records, que apresenta uma colaboração equilibrada e ponderada entre o violinista Bruno Monteiro e o pianista João Paulo Santos, explora peças escritas para os seus instrumentos – incluindo duas gravações de estreia mundial, uma delas de uma peça dedicada a Monteiro. A Sonata para Violino em Mi Menor de Elgar, de 1918, que abre o recital, é uma obra introspectiva e crepuscular, cuja melancolia generalizada provavelmente explica porque não está entre as composições mais populares do compositor. O andamento central estranhamente hesitante, embora rotulado como Romance, é particularmente incerto na abordagem, embora Monteiro e Santos investiguem o seu lirismo subjacente com bons resultados, uma vez descobertos. A elegância do Allegro non troppo final é o elemento mais atraente aqui, embora o fluxo do andamento seja repetidamente interrompido, como se Elgar interrompesse os seus pensamentos de vez em quando. A Sonata para Violino e Piano de Debussy é do mesmo período (1917) e foi a última grande composição do compositor. Partilha um pouco da atmosfera do trabalho de Elgar (a peça de Debussy é em Sol menor, a de Elgar em Mi menor), mas é mais comprimida, atmosférica e intermitentemente apaixonada. Monteiro e Santos têm uma visão expansiva da sonata: a abertura Allegro vivo, em particular, tem um ritmo bastante moderado, gerando considerável expressividade. As partes dissonantes e cadenciais do andamento central, apropriadamente rotuladas de fantasque et léger, causam uma impressão particularmente forte nesta performance, e os elementos apaixonados do final transparecem muito bem. As restantes obras deste CD curiosamente multifacetado são de andamento único. A Romance para Violino e Piano de Luíz Barbosa (1887-1952) é uma das estreias mundiais do disco. Um agradável trecho de três minutos e meio de expressividade de salão, é agradável, mas não particularmente memorável. Ascent para Violino e Piano de Ivan Moody (1963-2024), a outra estreia e obra dedicada a Monteiro, é consideravelmente mais extensa (12 minutos) e fortemente contrastante em sensibilidade: enquanto Barbosa se preocupa principalmente com a forma como o violino e o piano se combinam, Moody está muito mais interessado em como eles contrastam – às vezes eles parecem tocar independentemente um do outro, unindo-se quase como que por coincidência. A linguagem harmónica contemporânea de Moody também contrasta fortemente com a linguagem romântica de Barbosa. A peça de Moody realmente não se sustenta do começo ao fim: soa repetidamente como se estivesse a evaporar, apenas para ter uma frase ressurgindo do silêncio ou do quase silêncio. É, no entanto, interessante pelas muitas maneiras pelas quais a sua abordagem aos contrastes da música para violino e piano difere da de Barbosa – e, aliás, das abordagens dos outros compositores deste disco. O CD termina com uma obra que tem a mesma duração da de Moody, mas é muito diferente em quase todos os aspectos: Tzigane de Ravel. Mais conhecida na sua versão para violino e orquestra, Tzigane foi originalmente escrita para violino e piano – este último com um acessório agora obsoleto chamado luthéal que mudou a cor do timbre do instrumento. A música é “cigana”, na medida em que não utiliza quaisquer melodias ciganas reais, e dá ao violinista uma margem considerável para expressividade e exibição técnica – na verdade, a primeira metade é um extenso solo de violino, que Monteiro toca com considerável elegância. A segunda metade da obra apresenta-se igualmente bem, com as melodias dos dois intérpretes entrelaçadas numa agradável tapeçaria sonora que leva este disco muito bem tocado a uma conclusão altamente eficaz.”

A formação sonora de Monteiro é apaixonada e ricamente variada, a voz estritamente clara, o violino tocando apaixonado e lírico, a arte da interpretação repleta de evocação e intuição. Santos revela-se o parceiro ideal de Monteiro graças à sua forma de tocar não menos colorida e empática, que deixa espaço tanto para a sua imaginação como para a do violinista. Em suma, o refinamento interpretativo e técnico nesta interacção garante o grande prestígio artístico que expressa. Este álbum prova mais uma vez o carácter musical-camaleónico do seu fazer musical, seja Elgar, Debussy, Barbosa, Moody ou Ravel: a cada compositor, a cada obra é atribuído o seu som completamente individual e o seu mundo de experiência de uma forma rara.

O encarte do CD também apresenta, naturalmente, meu bom amigo, o compositor, musicólogo, teólogo e padre britânico Ivan Moody (o seu Ascent , também uma 'gravação de estreia mundial'). Moody morreu onze dias após a conclusão destas gravações, em 18 de Janeiro de 2024, aos 59 anos. Pode ler um obituário sobre ele aqui .

Mas voltando a este álbum, que não só pinta um quadro excepcionalmente belo dos dois músicos, mas também destas cinco obras. A bela gravação também contribui para isso.”

“O violinista português Bruno Monteiro e o pianista João Paulo Santos iniciam o seu álbum com a Sonata para Violino de Edward Elgar, cuja alternância de climas apaixonados e pacíficos tornam esta composição tão apelativa. Os dois revelam-se uma dupla inspirada, com o fôlego necessário para executar com eficácia a obra de Elgar.

A execução da Sonata de Debussy também é de destacar. Com uma simpatia palpável pela música deste compositor, Bruno Monteiro e João Paulo Santos tocam com um ritmo muito pessoal e grande sensibilidade para dar vida às muitas facetas da sonata numa interpretação muito individual, livre e originalmente gestual.

O lírico e emotivo Romance de Luiz Barbosa e a bela, misteriosa e meditativa Ascent de Ivan Moody (1963-2024) dão origem a Tzigane de Maurice Ravel, que Bruno Monteiro interpreta com muita reflexão e tristeza no solo, quase como uma continuação da peça de Moody, que morreu apenas este ano.

Podemos ter ouvido Tzigane mais atrevida e apaixonada, mas esta performance sensível, na qual o piano desempenha um papel emocionante, é extremamente apelativa. Particularmente agradáveis ??são as muitas cores que conferem à peça um carácter muito próprio. Às vezes, Santos consegue fazer o seu piano soar como um cymbal.

Com este álbum, a dupla portuguesa prova mais uma vez que, com base numa técnica sólida, é capaz de interpretações altamente musicais e, acima de tudo, inspiradas e muito pessoais.”

 

‍“É sempre um prazer ouvir Bruno Monteiro e João Paulo Santos, mesmo que o prazer não seja necessariamente sempre meu.

A última vez que nos encontramos, figurativamente falando, foi na Fanfare 47:4, número em que revisei o álbum de obras de câmara de Korngold, de Monteiro e Santos. Nessa gravação juntou-se-lhes o violoncelista Miguel Rocha e, como sempre, a execução e a integridade artística foram dos mais elevados padrões.

Bruno Monteiro e João Paulo Santos apresentam uma performance dramaticamente intensa e poderosa do Elgar, não se esquivando dos momentos controversos da música. Eles não tentam fazer dela algo que não é – ou seja, uma versão de música de câmara do Concerto para Violoncelo. Eles tocam o que é, com verrugas e tudo, e ao fazê-lo, revelam uma força de carácter da partitura – uma determinação de perseverar – que acho que nunca ouvi ser projectada antes de forma tão vívida.

Debussy estava saindo - e não para o café da esquina - quando compôs sua última obra em 1917, a Sonata para violino em sol menor. É uma peça modesta em todos os sentidos – modesta nos meios, na proporção e na expressão. A Sonata para Violino foi apenas a terceira de um ciclo projectado de seis sonatas para várias combinações de instrumentos, que permaneceu uma promessa não cumprida quando o compositor morreu em 1918.

A actuação de Monteiro e Santos é a arte do eufemismo e da insinuação. Embora não tenham medo de projectar o carácter de commedia dell’arte do segundo andamento, marcado como Intermède fantasque et léger, eles fazem-no de maneiras ao mesmo tempo astutas e subtis, que trazem à tona a fertilidade e a intriga neste scherzo sarcástico. Muito bem feito.

O Tzigane de Monteiro não é o cigano selvagem que tantas vezes ouvimos. A sua abordagem da peça é diferente e eu, por exemplo, adoro-a. Porque a escrita de Ravel brutaliza o violino com ataques violentos – cordas duplas dissonantes e descorantes, pizzicato para a mão esquerda, harmónicos artificiais, um perpetuum mobile descontrolado, grandes saltos nas cordas e nas posições, e notas praticamente fora do final do braço na corda Sol ( !) – é virtualmente impossível tocar a peça sem soar crua, estridente e áspera. Provavelmente era isso que Ravel pretendia. Afinal, este é um retracto - grotesco - do cigano na selva, não do cigano civilizado. A obra é uma caricatura brilhante e uma zombaria magistral de todas as peças Húngaro-Roma que a precederam, como as Rapsódias Húngaras de Liszt, as Danças Húngaras de Brahms e o seu alvo mais próximo, Zigeunerweisen de Sarasate.

Monteiro pode ser apenas o segundo violinista que ouvi na Tzigane que civiliza o cigano, sendo o outro violinista Arthur Grumiaux na sua versão orquestral que toca a obra com Jean Fournet e a Orquestra Lamoureux. Como é possível tocar tão alo na corda G sem parecer que a vida está sendo sufocada por uma galinha, ou curvar alguns daqueles acordes quebrados e cordas duplas sem esforço, triturar e raspar, eu não sei, mas Grumiaux e agora Monteiro conseguiram e ainda não deixaram dúvidas de que essa era a cigana arrogante e maliciosa que Ravel tinha em mente. Esta é uma conquista incrível para Monteiro, tanto técnica quanto musicalmente.

Em retrospectiva, porém, eu não deveria ficar surpreso porque já ouvi o suficiente sobre a execução do violinista em gravações anteriores para saber o quão talentoso e dotado ele é. Não tenho escolha a não ser dar ao último álbum de Monteiro e Santos a minha recomendação mais forte para as performances convincentes de Elgar, Debussy, Barbosa e, acima de tudo, de Ravel.”

Embora se trate de um repertório ecléctico, Monteiro e Santos têm conseguido imprimir uma marca pessoal nestas obras, que se destacam pelo inquestionável espírito clássico, tanto nas melodias claras e precisas como nos ritmos transparentes e nas estruturas harmónicas, perfeitamente tecidas. Podemos dizer que Bruno Monteiro, nas suas gravações (ver resenhas I, II e III), tem conseguido harmonizar o caminho traçado pelos grandes nomes da literatura violinística, procurando sempre as correntes mais notórias da música do século XX.

No mundo do violino, Elgar deixou três partituras importantes no domínio da música de câmara, das quais a menos conhecida é a Sonata para violino e piano em Mi menor, Op. 82. O sentido lírico de Elgar emerge do oceano calmo que é esta sonata. Por outro lado, a saúde de Debussy ficou extremamente comprometida durante a composição da Sonata para violino e piano em Sol menor, uma obra de cromatismos que criam uma atmosfera evanescente.

O compositor Luiz Barbosa, nascido em Lisboa em 1887 e falecido na mesma cidade em 1952, foi um dos grandes violinistas portugueses do passado. A sua única obra conhecida, a Romance para violino e piano, uma peça encantadora, continua muito famosa em Portugal.

Ivan Moody nasceu em Londres em 1964. Moody estudou musicologia e teologia nas universidades de Londres, Joensuu e York. Ascent ('Ascensão'), para violino e piano, é uma obra sentimental e muito bonita, que nesta versão faz a sua estreia mundial.

Ravel compôs a rapsódia de concerto Tzigane, para violino e piano, em Abril de 1924. É uma peça de grande virtuosismo na qual se desenvolvem muitas possibilidades instrumentais. O final, in perpetuum mobile, permite ao violino atingir uma fúria virtuosa de carácter cigano.”

No passado sábado, o Teatro Municipal de Matosinhos Constantino Nery foi palco de um emocionante concerto de violino e piano, protagonizado por Bruno Monteiro e João Paulo Santos. Os músicos interpretaram obras de Henri Vieuxtemps, Claude Debussy, Camille Saint-Saëns e Eugène Ysaÿe, levando o público numa viagem musical repleta de emoção e virtuosismo. Bruno Monteiro, reconhecido internacionalmente como um dos principais violinistas portugueses da atualidade, tem liderado uma intensa atividade concertística, atuando nas mais prestigiadas salas de concerto em Portugal e além-fronteiras. Ao longo de mais de duas décadas, tem conquistado o público com a sua magistral interpretação e talento inigualável." 

Link: https://breves.pt/noticia/matosinhos-concerto-de-violino-e-piano-no-teatro-municipal-de-matosinhos

“O trio de instrumentistas portugueses responde com bravura ao desafio (…). Santos e Monteiro recriam aqui uma bela versão da obra (Sonata) e a gravação encerra com uma recomendável leitura instrumental de uma encantadora dança extraída de “A Cidade Morta”.”

Este novo álbum, Music for Violin, Cello e Piano, inclui peças escritas aos treze e dezasseis anos pelo prodigioso compositor e maestro austríaco Erich Wolfgang Korngold, cuja carreira musical foi sufocada pela ascensão do nazismo. Nascido na Morávia, ensinou composição na Áustria, e de lá foi exilado para os Estados Unidos da América, onde alcançou grande fama como compositor de cinema. Ele recebeu dois Óscares por suas trilhas sonoras de As Aventuras de Robin Hood (M. Curtiz e W. Keighley, 1938) e The Seahawk (M. Curtiz, 1940).

Bruno Monteiro, Miguel Rocha e João Paulo Santos, com quem se apresenta há mais de vinte anos, comentam o estilo de Korngold, com reminiscências românticas.

Começam com o Trio para piano, violino e violoncelo em Ré maior, op. 1, dedicado a seu pai, o famoso crítico musical Julius Korngold. A veia poética do compositor reflecte-se nesta obra. O segundo andamento, Scherzo, gira em torno de variações rítmicas e harmónicas, incluindo uma seção semelhante a uma valsa, provavelmente influenciada pela dança austríaca.

A segunda obra é a Sonata para violino e piano em Sol maior, op. 6, de Korngold, uma peça repleta de lirismo, grandes dificuldades técnicas e algumas surpreendentes nonas sincopadas. O virtuosismo dos dois músicos fica bem evidente na interpretação dos estridentes acordes do piano e do pizzicato do violino.

Monteiro e Santos interpretam a obra final do disco, a encantadora Tanzlied des Pierrot ('Canção de Dança de Pierrot'), peça transcrita da ópera Die Tote Stadt ('A Cidade Morta'), op. 12. Korngold e seu pai colaboraram no libreto; lembramos que Julius Korngold assinou com o pseudónimo de Paul Schott.

Bruno Monteiro, Miguel Rocha e João Paulo Santos são músicos de sensibilidade apurada que, mais do que inovar, redescobrem a linguagem inquieta de Korngold, com uma exigência musical altíssima.”

"O compositor vienense Erich Wolfgang Korngold, nascido em 1897, foi um precoce talento prodígio detectado por seu pai, o importante crítico musical de Viena, Julius. Até aí, feliz coincidência. Acontece que o então todo-poderoso crítico do jornal Neue Freie Presse usou de todas artimanhas e lobbies para construir o sucesso do filho. O menino, que já foi batizado como um novo Mozart pelo pai, que acrescentou um “Wolfgang” a seu nome, lidou com suspeição a vida inteira. E por vários motivos.

O primeiro foi este, o tráfico de influência do pai. O CD desta semana, do excelente duo de músicos portugueses Bruno Monteiro, ao violino, e João Paulo Santos ao piano, tem como peça mais importante o juvenil trio no. 1 para violino, piano e violoncelo, aqui executado por Miguel Rocha.

O menino ainda estudava com Zemlinsky, e o trio era tão consistente que se aventou nas fofocas vienenses que o professor e o pai o tinham ajudado. Nada disso parece ter acontecido. Mas o boato permaneceu. Sobretudo quando Julius usou seu prestígio para fazer estrear o trio do menino de 13 anos em Viena no aniversário do jornal The Merke.

Mas a música é o mais importante. E de fato este trio bate, de longe, em qualidade, uma obra camerística semelhante composta por Richard Strauss com a mesma idade. Até refugiar-se nos Estados Unidos na década de 30, Wolfgang firmou-se como o segundo compositor mais tocado na Europa – logo atrás de Richard Strauss, que, imaginem, fazia furor primeiro com seus poemas sinfônicos e em seguida com suas óperas.

Uma vez em Los Angeles, transformou-se rapidamente no rei das trilhas sonoras em Hollywood. Resumindo: ele não precisava de nenhum empurrãozinho."

“Escrita aos 13 anos, o vivaz e harmonicamente aventureiro Op. 1 Trio não precisa de apelos especiais de ‘juvenilia’. A Sonata para Violino, desde os 16 anos, cativa desde a sua abertura ambiciosa e sinfónica.”

Ele próprio uma espécie de prodígio, Monteiro, um dos principais exportadores de música clássica de Portugal, realizou os seus primeiros recitais públicos aos treze e catorze anos, depois estudou em Nova Iorque e Chicago, e nas décadas seguintes apareceu em palcos de concertos em todo o mundo. Há mais de vinte anos que se apresenta com o seu parceiro de recital Santos, que acompanha o violinista nesta última gravação. Monteiro lançou mais de uma dezena de álbuns, que contam com obras de Stravinsky, Ravel, Chausson, Szymanowski, Schulhoff e outros. Apesar do status de destaque de alguns dos compositores cujas obras ele executou, Monteiro frequentemente gravita para aqueles menos familiares ao público em geral e ajudou a chamar a atenção para seus esforços muitas vezes subestimados.

Consistente com o design de programação dos lançamentos anteriores, o conjunto Korngold apresenta um trabalho em trio ao lado de peças em duo, uma para violino e piano e outra para violoncelo e piano. Iniciando o álbum está seu Trio com Piano em Ré Maior, Op. 1, escrito quando ele tinha apenas treze anos. O que o torna ainda mais impressionante, porém, é a maturidade e sofisticação demonstradas pela escrita ao longo da meia hora de trabalho. O allegro com que começa cativa pela sua expressividade romântica e pelo cativante entrelaçamento dos padrões das cordas. Com o apoio competente e atento de Santos, Monteiro e Rocha envolvem-se num apaixonado pas de deux totalmente envolvente. O scherzo que se segue é lúdico e flerta com os ritmos da valsa, mas a sua duração de oito minutos também permite muitas outras direções estilísticas. Essa maturidade acima mencionada é talvez mais evidente no “Larghetto”, a sua música notavelmente comovente considerando que foi escrita por alguém tão jovem. O final é, fiel à forma, marcado pela vitalidade e um tom geralmente radiante e edificante, embora um gesto irónico surja à medida que se aproxima do fim.

Três anos separam a escrita da seleção de abertura e da Sonata para Violino em Sol Maior, Op. 6, que estreou em Berlim em outubro de 1913. Unindo Monteiro e Santos, a obra reflete, como esperado, um maior desenvolvimento no refinamento da escrita de Korngold. Isso é dramaticamente demonstrado na aventura harmónica dos dois andamentos iniciais e nas modulações pelas quais eles progridem ao longo dos vinte e quatro minutos combinados. Monteiro brilha em todo o scherzo nos rápidos saltos de escala que ele é chamado a executar, mas suas vozes expressivas na seção atmosférica do trio são igualmente memoráveis. O próprio violinista propõe que o andamento adágio, o terceiro da obra, é “claramente influenciado” por Richard Strauss e Mahler, e certamente as suas harmonias cromáticas e coda lírica indicam que tal argumento poderia ser apresentado com credibilidade.

Baseado em uma ária solo de barítono da ópera Die Tote Stadt, Op. 12 (The Dead City), Tanzlied des Pierrot conclui o lançamento fortemente com um ambiente silencioso em estilo de salão que coroa uma introdução no estilo Debussy com uma performance adorável e sincera de Rocha. Em termos de qualidade de produção, a gravação capta de forma eficaz as performances, principalmente as cordas. A gravação merece a sua recomendação, com Monteiro e companhia fazendo a sua parte para nos lembrar que Korngold, por mais formidável que fosse como compositor de trilhas sonoras, era muito mais."

O violinista português Bruno Monteiro, juntamente com o violoncelista Miguel Rocha e o o seu pianista regular - João Paulo Santos, prestaram homenagem ao compositor numa gravação com a editora belga Et'cetera, hoje a sua casa de confiança. Com razão, porque a gravação é mais uma vez uma jóia. Nunca mude uma equipe vencedora.

O álbum começa com o trio para piano, violino e violoncelo em Ré Maior, opus 1. Esta é portanto uma das obras mais jovens do então promissor compositor. Um golpe imediato. Aliás, foi dedicado a seu pai Julius Korngold, que era um conhecido crítico musical. Pode-se ouvir a determinação com que a obra foi escrita, mas também executada. Um trabalho que sabe o que quer. Belos temas contrastantes garantem um resultado explosivo. Percebe-se a riqueza por trás do trabalho de Korngold desde a primeira nota. As transições para o Scherzo, seguidas do intermezzo quase dançante e do larghetto mais calmo, decorrem com grande naturalidade, como se esta música sempre existisse e se infiltrasse no cérebro de Korngold a partir de um nível superior. Com essa rica fantasia, você tem que começar a amar este compositor, caso ainda não o conhecesse.

Então a Sonata para violino em Sol Maior opus 6 mais uma vez atende às expectativas. Outra grande jóia, escrita por Korngold, de apenas dezasseis anos. Uma peça exigente, mas tudo soa tão lógico, tão natural, evidente em toda a complexidade. Uma peça intensa onde você mal consegue conter-se com toda a emoção e sentir a frequência cardíaca a aumentar. As influências de Strauss e Mahler são claramente audíveis.

O CD termina com uma encantadora peça de música de salão, Tanzlied des Pierrot da ópera Die Tote Stadt, cujo libreto Korngold escreveu junto com o seu pai sob o pseudónimo de Paul Schott. Um belíssimo bis profundo no violoncelo e no piano, neste CD altamente agradável."

"Depois do CD anterior com obras de Chausson e Ysaÿe, os músicos que tocam em trio ou duo apresentam agora a sua visão sobre Erich Wolfgang Korngold.

Resta que já no trio os músicos mostram paixão e apresentam uma interpretação vital do primeiro andamento. E esta energia investida é certamente uma vantagem. No Scherzo seguinte fica clara a vitalidade e com a parte da valsa a proximidade com a música austríaca. Os três músicos oferecem uma imagem bastante robusta deste tipo de dança. No Trio – Larghetto é particularmente perceptível que a técnica capturou todos os músicos com igual peso. Assim todos se tornam audíveis e ninguém fica na sombra acústica. No final, novamente não há mesquinhez com a energia, às vezes um pouco exagerada.

O andamento de abertura da sonata para violino soa redondo e agradável. O Scherzo em segundo lugar oferece à parte do violino distintas cadeias de notas, enquanto posteriormente são ouvidas passagens mais líricas. No Adagio, influenciado por Strauss e Mahler, mas escrito com a linguagem musical única de Korngold, são exploradas fileiras de harmonias cromáticas. Bruno Monteiro consegue isso de forma cuidadosamente elaborada. O andamento final novamente encerra a obra com uma modelagem intensamente distinta por parte dos intérpretes.

Na canção dançante de Pierrot da ópera «A Cidade Morta», o violoncelista Miguel Rocha deixa ouvir os seus dotes. Com um som fino e sonoro ele oferece uma interpretação envolvente desta peça de salão e pode, portanto, deixar uma impressão muito boa.

A execução segura, organizada e sensível do pianista João Paulo Santos, em sintonia com os parceiros, pode ser apontada como outro aspecto positivo."

O Larghetto [3] possui grande subtileza de afinação, expressa como num sonho (violino flexível e suave ao mesmo tempo). E a flexibilidade, bem como a voluptuosidade da sequência final - notas espalhadas pelo piano arejado - aproximam-se da atmosfera vaporosa e onírica da ópera Die Tote Stadt.

Preocupado com os contrastes, Korngold arquitecta o seu Finale (allegro molto e energico / 4) com uma aspereza, uma espécie de rouquidão mais caracterizada e menos sedutora que antes, com acentos de pura fantasia onírica: volubilidade espelhada na leveza e nos caprichos fantasiosos do primeiro Allegro con espressione, como evidenciado pelos inícios de valsas intercaladas em uma sequência superexpressiva, até mesmo paródica, no espírito idealmente assimilado aqui novamente do capricho straussiano (o fantasioso e brilhante neobarroco Richard Strauss de Ariane auf Naxos e o neobarroco francês -Suíte barroca de Le Bourgeois Gentilhomme após Lully). Os assertivos músicos portugueses tocam e deleitam-se neste labirinto de ritmos e influências cruzadas.

Ecletismo virtuoso e intoxicado do jovem Erich Wolfgang Korngold

Bruno Monteiro acrescenta à riqueza deste programa emocionante uma obra madura [composta aos 16!] que ainda guarda o apego a este ideal vienense, ao mesmo tempo despreocupado e estilisticamente ecléctico: a sublime Sonata para violino e piano.

O “Ben moderato” [5] realça a volubilidade lunar do violino, tão próximo do canto, mas uma canção modelada na fala e no pensamento livre e fantasioso, que balança e sonha… e termina muito alto no céu notas agudas encantadas e embriagadas já que o encantador KORNGOLD sabe como destilá-los. Piano e violino expressam de forma aguda a sua grande força sugestiva e emocional.

O Adagio [7] é ternura selvagem, suavidade, abandono comedido, jogo com modulações e passagens harmónicas vaporosas, embriaguez extática nos limites da tonalidade, jogo entre o sonho e o pesadelo, mas com precisão sem suavidade (como é observado “mit tiefer empfindung” / com sensibilidade profunda).

No Finale: Allegretto [8] – o carácter de feliz despreocupação percorre todo o último andamento (con grazia), mas também um sentimento de plenitude feliz, como se estivesse embriagado aqui novamente, combinando o caprichoso e o capricho como no espírito de um andamento construído como uma fantasia – a parte do violino está próxima da voz, uma canção contínua e diáfana, enquanto o piano se aninha nas dobras e dobras de ressentimentos preservados, secretos, nunca realmente expressos. Esta névoa onírica, esta flutuação como que enfeitiçada, compõem o encanto de uma peça que à primeira vista parece difusa e incerta, revelando em última análise uma carga emocional extremamente bem construída da qual é a linha do violino que mantém o controlo e o fluxo de uma ponta à outra.

Além disso, os intérpretes tocam Tanzlied de Pierrot, trecho da ópera Die Tote Stadt para violoncelo e piano: os dois intérpretes expressam a sua suave fragilidade, como a delicada efusão de um sonho que se evapora.

Este programa sublinha apropriadamente o génio precoce e a complexidade virtuosa de um compositor vienense de infinita sedução."

“Ele (Monteiro) é um violinista soberbo, exibindo técnica impecável, belo som e musicalidade do mais alto nível. Bruno Monteiro, Miguel Rocha e João Paulo Santos fazem milagres na sua interpretação. Duvido que você as encontre melhor apresentadas do que aqui.”

“Embora a música clássica de Erich Wolfgang Korngold (1897-1957) tenha passado por uma espécie de renascimento nos últimos anos, ela permanece relativamente obscura, possivelmente porque ele é conhecido principalmente pelas trilhas sonoras de filmes que criou nos Estados Unidos depois de fugir da Europa durante o regime nazi. Curiosamente, Korngold no início de sua carreira foi uma espécie de prodígio, e mesmo as suas primeiras composições têm muito a recomendá-las – como fica bem claro neste novo CD muito bem tocado da Et’cetera Records. O disco abre com a primeira obra publicada de Korngold e o seu único trio com piano – uma obra que é uma maravilha, considerando o facto de que ele a completou quando tinha apenas 13 anos. O trio foi escrito quando Korngold estava a estudar com Alexander Zemlinsky, e contém intensidade romântica tardia e altos níveis de lirismo. Possui também alguns elementos composicionais inteligentes, nomeadamente uma estrutura quase circular, com o tema de abertura da obra repetido e retrabalhado na conclusão do final. Embora seja fácil ouvir ecos de Brahms e Richard Strauss na música, não há nada abertamente imitativo nela, e a sua linguagem harmónica está em linha com o que seria de esperar para o seu período de tempo (1909-10). No seu conjunto, esta é uma obra atmosférica e com forte sotaque, criada com habilidade composicional muito além da idade cronológica do seu compositor. E embora o estilo seja pouco distintivo, o alongamento da tonalidade e a intensidade expressiva da música situam-na directamente no final da era romântica e mostram que mesmo nas suas primeiras obras, Korngold tinha um talento especial para misturar sensibilidade emotiva com um elevado grau de drama - uma combinação que o colocaria em boa posição nos seus trabalhos cinematográficos muito posteriores. A interpretação de João Paulo Santos, Bruno Monteiro e Miguel Rocha é de primeira qualidade, permitindo que a música flua naturalmente e explore todo o alcance emocional que Korngold lhe colocou, o que é considerável mesmo quando soa algo estereotipado no terceiro andamento do Larghetto. E Korngold amadureceu muito rapidamente do ponto de vista composicional, como fica claro na sua Sonata para Violino e Piano, escrita quando ele tinha 16 anos. De maior escala que o Trio com Piano, esta sonata de 40 minutos esforça-se constantemente para estourar os limites dentro do qual Korngold o criou. Monteiro e Santos abordam as consideráveis exigências técnicas da obra com habilidade consumada, permitindo que os seus frequentes contrastes de lirismo e intensidade produzam os efeitos claros e às vezes dissonantes pelos quais Korngold se esforçou - precursores, de certa forma, das rápidas mudanças de humor às quais ele mais tarde se tornou tão adepto produzindo-os para filmes. Os elementos emocionais livres aqui fluem mais naturalmente do que no Trio, embora a linguagem musical em si seja um pouco mais ácida. O segundo andamento da sonata, um insistente Scherzo, contém um Trio central invulgarmente belo, e o terceiro andamento Adagio também está repleto de sinceridade, apesar de um elevado nível de cromatismo que lembra Mahler e, novamente, Richard Strauss. O final em forma de variação fornece o único fermento numa obra que é altamente séria: há pedaços de leveza aqui e ali que ajudam a aliviar o peso persistente da sonata, e a conclusão suave traz consigo uma sensação de calma que é de outra forma, em grande parte ausente de uma obra de poder considerável. O disco termina, como um bis, com um trecho da terceira e mais conhecida ópera de Korngold, Die tote Stadt, uma obra psicologicamente sombria cujo enredo um tanto sinistro não se reflecte em nenhum lugar na doce e calorosa versão para violoncelo e piano de Tanzlied des Pierrot interpretada por Rocha e Santos com considerável delicadeza e charme. No seu conjunto, este CD constitui um testemunho da música anterior de Korngold (que inclui Die tote Stadt, em cuja estreia o compositor tinha 23 anos) e uma excelente introdução, para ouvintes que conhecem Korngold apenas como compositor de cinema, a algumas das suas contribuições substanciais à música de câmara do século XX.”

Estas peças são executadas com excelência por Bruno Monteiro (violino), Miguel Rocha (violoncelo), João Paulo Santos (piano). No Trio de Chausson os três artistas encontram uma harmonia perfeita que lhes permite dar a impressão de ouvir um único instrumento com diferentes timbres. Em particular, João Paulo Santos, ao piano, acompanha sem nunca os sobrecarregar, Bruno Monteiro e Miguel Rocha, que, ambos dotados de uma técnica sólida, mas também de uma forma expressiva, executam estas peças com grande atenção ao fraseado e à dinâmica. Particularmente bela é a performance do Poème de Monteiro, assim como a performance da Méditation-Poème de Miguel Rocha de valor absoluto.

‍Monteiro, com Rocha e Santos, colocam o ouvinte diante de uma multiplicidade de sonoridades, nas quais é possível reconhecer, para melhor compreensão do momento histórico, a música de dois compositores de uma sensibilidade poética e uma pauta idiomática muito rigorosa.

‍O Trio para piano, violino e violoncelo em sol menor, recebido com frieza na estreia, é uma obra em quatro andamentos (aliás, fruto do conselho de César Franck) e encontramos os temas cíclicos do violino - a lírismo de Monteiro é uma viagem deslumbrante - além de uma profunda ambiguidade harmónica e força rítmica, que sustenta os quatro andamentos.

‍A poesia sonora de Ysaÿe, reflectida no Poema Elegíaco - dedicado a Fauré - e no Poema-Meditação, é inerente a essas duas peças de câmara puramente românticas. O autor busca a escuridão através da scordatura; ele parece ter sido inspirado por Romeu e Julieta de Shakespeare e pela música de Chausson.

‍De natureza rapsódica, Ysaÿe, que formou seu próprio quarteto em 1894, compôs o poema-Meditação com uma notação singular (em vez da convencional) para indicar mudanças de métrica. Rocha e Santos, violoncelo e piano, exibem uma energia de intensidade dramática, sombria e sóbria.

Uma gravação de alto nível artístico e musical.

Ernst Chausson (1855-1899) cresceu numa amorosa família parisiense, onde a música não desempenhava o papel principal. Ainda assim, um professor deu-lhe o amor pelas Belas Artes e ele logo não conseguiu escolher entre música ou a literatura. No final das contas, foi a música que ganhou quando ele começou a estudar piano aos quinze anos, apesar de também ser muito talentoso como pintor. Ele pode ter começado a estudar direito, mas acabou no Conservatório de Paris. Compôs obras para piano e música de câmara, obras orquestrais e ópera. A ligação com o virtuoso violinista belga Ysaÿe? Ysaÿe estreou seu Poème para violino e orquestra em 1896.

Chausson era conhecido como uma personalidade tímida, que tinha um grande amor pela beleza e pela natureza. Ele gostava de estar rodeado por artistas de todos os tipos de áreas, como, por exemplo, Monet e Duparc.

O seu trio para piano, violino e violoncelo em sol menos opus 3 abre este CD e pode seguramente ser considerado uma das mais belas peças do período do final do século XIX. Isto apesar do trabalho ter sido recebido friamente pela Société Nationale de Musique. Só foi publicado postumamente em 1919.

O agradável é que você pode ouvir todas essas dinâmicas, como se estivesse mergulhando numa pintura. Tons de cor são ouvidos e até um pouco de pontilhismo é permitido em um fundo sonhador. Como se sentisse a energia daquele período cultural.

Ysaÿe começou sua carreira muito jovem. Estreou-se publicamente aos sete anos de idade e estudou no Conservatório de Bruxelas com Wieniawski e mais tarde em Paris com Henri Vieuxtemps. Era conhecido por seu belo vibrato, os seus tiques românticos e sons quentes. Além de suas peças mais famosas, também escreveu dois poemas musicais que você pode ouvir aqui. O bastante sombrio Poème Élégiaque foi dedicado a Gabriel Fauré. Foi exactamente isso que desafiou Chausson a escrever o seu próprio Poème . A Méditaton-Poème foi escrita em 1910, mas não publicada até 1921. O violinista-compositor sempre quis ter certeza de que apenas o melhor seria publicado. A obra foi dedicada ao violoncelista Fernand Pollain e tem caráter rapsódico.

Este álbum aborda uma música que pode não ser conhecida pelas massas, mas que vale muito a pena colocar no mapa e ser degustada e apreciada.

Esta é uma obra, há décadas ignorada, que tem recebido cada vez mais gravações. Bruno Monteiro (violino), Miguel Rocha (violoncelo) e o pianista João Paulo Santos formam um trio formidável e casam objectivos estruturais de longo prazo com momentos de expressão picante para gerar a necessária luz e sombra dramática numa obra tão jovem e intensa como esta. É perceptível que eles evitam tempos excessivos, como se pode encontrar no Trio Solisti na Bridge ou em elementos da gravação do Fidelio Trio na Resonus, onde tanto o andamento inicial quanto o lento são pressionados com bastante força – pelo menos em relação ao desempenho da equipa da Etcetera. Em contraste, o trio português transmite a fluidez dos picos e vales dramáticos do primeiro andamento através de trocas saudosas e seguras e de uma firmeza escultural que compensa a escuta repetida. O Scherzo do andamento lento ganha pelo fino controlo do momento e do humor, com Bruno Monteiro flutuando o seu som com admirável refinamento, Miguel Rocha igualando-o na sofisticação da produção tonal, ancorada na excelência consistente do pianista João Paulo Santos. A flutuação na densidade expressiva do andamento lento é lindamente realizada, e a elasticidade das linhas melódicas do Finale são transmitidas num tempo fino, com toque de poder e ardor, principalmente do pianista que tem muito para tocar.

As duas obras seleccionadas de Ysaÿe actuam como bons adicionamentos em si mesmas sobre o Trio de Chausson, maior e mais emotivamente extrovertido. Ambas, de facto, foram posteriormente orquestradas para solista e orquestra, na forma em que foram frequentemente encontradas em disco. No Poème Élégiaque, a corda Sol do violinista é afinada em Fá, o que lhe confere uma qualidade sombria e melancólica. Não apenas enfatiza as qualidades tristes da música, mas também soa positivamente como uma viola d’arco em alguns lugares. Foi o seu primeiro poema sinfónico e evoca a plangência Lekeuriana, Wagneriana, da escola belga do fim do seculo, à qual Monteiro responde com um discurso instrumental cheio de fervor. Tanto ele quanto Santos mostram-se hábeis no potencial expressivo da música, iluminando o clima quando necessário ou escurecendo e aprofundando a atmosfera crepuscular numa leitura notavelmente equilibrada. Uma versão concorrente, embora muito diferente – Vierne, Franck e Lili Boulanger – está na Hyperion, finamente interpretada por Alina Ibragimova e Cédric Tiberghien. Para a versão orquestrada, tem a caixa Fuga Libera (FUG758), onde é tocada por Tedi Papavrami (review) ou o CPO 777 051-2 (review), para citar apenas dois exemplos.

A Méditation-Poème também pode ser encontrada na caixa Fuga Libera, onde é interpretada por Gary Hoffman. Mostra o domínio do rapsódico de Ysaÿe, mas também o seu empregar do cromatismo, de cores maduras, que enriquecem a música em vez de sufocá-la ou estrangulá-la. Demasiado astuto o compositor-intérprete para isso, Ysaÿe dá ao violoncelista algumas linhas eloquentes para tecer, às quais Miguel Rocha responde com ardor, esplendidamente acompanhado por João Paulo Santos.

Este programa dá inúmeras oportunidades de fortalecimento individual e colectivo e vem com notas de programa do violinista e uma excelente gravação supervisionada por José Fortes. A estufa está em boas mãos neste lançamento.

Monteiro apresenta uma performance muito apaixonada (Ysaye) com um timbre rico, especialmente nas secções dos registos mais baixos. As exigências técnicas da peça também tornam isso atraente. O arco do trabalho também é aqui bem captado.(…)

O Poema-Meditação para violoncelo e piano, Op.16, será outra descoberta deliciosa para quem não conhece a música de Ysaye e faz uma comparação interessante com outras obras anteriores. Mais uma vez, a paleta harmónica é mais marcante aqui com os seus flertes com uma espécie de mistura de som romântico-impressionista.

Para aqueles que gostam de explorar música de câmara rara, vale a pena procurar este lançamento especialmente pelos mais raros Ysaye. Uma interessante dupla que funciona bem para apresentar aos ouvintes dois importantes compositores desta época da música franco-belga.”

A juntarem-se ao Sr. Monteiro no presente álbum estão o pianista João Paulo Santos e o violoncelista Miguel Rocha. Juntos, eles fazem música muito, muito boa.

O programa começa com o Trio para Piano, Violino e Violoncelo em Sol menor, Op. 3 do compositor francês Ernest Chausson (1855-1899). Ele escreveu a peça no início da sua curta carreira, ainda com vinte e poucos anos e logo após estudar música com Jules Massenet e César Franck. Chausson não produziu uma abundância de música durante sua breve vida – trinta e nove obras publicadas ao todo – mas todas eram imaginativas, originais e encantadoras. Embora seja provavelmente mais conhecido pela Sinfonia em Si bemol, pelo poema sinfónico Viviane e pelo Poème para violino e orquestra, o seu Trio é certamente outra peça a ter em conta. De facto, é considerado por muitos ouvintes como uma das melhores obras de câmara de pequena escala de Chausson.

O Trio abre com uma introdução lírica e suavemente rítmica antes de passar para um tema mais animado. Os três músicos mantém aqui uma forte química, o violino assumindo a liderança, com o acompanhamento de piano e violoncelo alternando e entrelaçando em variações cíclicas ou padrões de espirais. Os intérpretes são uniformemente vibrantes na sua interpretação, com o violino de Monteiro sendo um esteio impressionantemente sólido por toda parte. O segundo andamento também começa suavemente, então pega numa cabeça de vapor alegre enquanto os instrumentos se perseguem um ao outro ao redor da partitura. É tudo muito delicioso, na verdade, e leva ao terceiro andamento lento. Aqui, é o piano que leva a floresta, com o violino e o violoncelo juntando-se então num chamado melancólico. É um interlúdio adorável e poético que lembra a música de alguns conhecidos de Chausson - Massenet, Franck e Fauré em seus tons graciosos e fluidos. Também exibe os talentos de Monteiro, Santos e Rocha e sua capacidade de se fundirem suavemente em um. Em seguida, o Trio termina com um final alegremente animado e divertidamente espontâneo que encerra todo o trabalho em grande estilo, os músicos prontos para receber suas merecidas reverências.

Acompanhando o Trio estão duas peças curtas de um dos contemporâneos de Chausson, o violinista, maestro e compositor belga Eugene Ysaye (1858-1931). Os fãs chamavam Ysaye de “rei do violino” e, de facto, Chausson considerava-o o melhor intérprete que já ouvira da sua obra. No presente álbum temos o Poeme Elegiaque para Violino e Piano, Op. 12 (posteriormente orquestrado, mas aqui feito na sua forma original com Monteiro e Santos) e a –Meditação-Poeme para Violoncelo e Piano, Op. 16, com Rocha e Santos. Ambas são peças doces e agradáveis, a Meditação um pouco mais melancólica que a Elegia, e ambas tocadas com um equilíbrio fino e delicado.

Os produtores Bruno Monteiro e Dirk De Greef e o engenheiro José Fortes gravaram a música na Igreja da Cartuxa, Caxias, Portugal em Setembro de 2021. Como acontece com a maioria das gravações de pequenos ensembles, esta é relativamente próxima, fornecendo detalhes bons e claros. No entanto, há uma leve ressonância da sala para adicionar calor às sessões. Como poderíamos esperar no Trio, o violino é o som dominante, mas não avassalador.

Enquanto o acoplamento no excelente desempenho do Trio Wanderer também funciona bem (com o Trio de Ravel, Fanfare 23;4), a mudança para a Bélgica e Eugène Ysaÿe é espetacularmente pensada e oportuna (na medida em que um número significativo de lançamentos de Ysaÿe parece ultimamente, como a incrível "aventura" Ysaÿe de Sherban Lupu com o Concerto em Sol Menor, mais algumas peças curtas - Fanfare 45:3 - além de alguns notáveis concertos ao vivo em Londres). Se houver um florescimento de interesse pela música de Ysaÿe, é definitivamente bem-vindo. O Poème Élégiaque é gloriosamente melodioso, e que prazer é ouvir o registro grave gutural de Monteiro (a corda Sol está afinada em Fá nesta peça, e todo o registro grave soa incrivelmente intenso e pungente, de modo que quando Ysaÿe se move para o meio ou registro alto, literalmente parece que é outro instrumento a responder). A peça flui sem esforço, e enquanto o violino domina (e Monteiro é tão preciso e expressivo quanto no Trio de Chausson), não se deve perder as sutilezas que Santos traz para a parte do piano. À medida que a peça se move, avançamos para o território diabolicamente difícil que se associa naturalmente a Ysaÿe, e Monteiro está absolutamente à altura de qualquer desafio, seja em termos de registo ou de paragem. Para uma peça com tal título, esta obra é extraordinariamente abrangente emocionalmente, e Monteiro e Santos abraçam o mundo do compositor com suprema segurança. Na Hyperion, Alina Ibragimova e Cédric Tiberghien oferecem uma excelente alternativa (juntando-a com as Sonatas para Violino de Franck e Vierne e o Nocturne de Lili Boulanger), e não há dúvida da suprema qualidade de gravação da Hyperion; mas Monteiro tem uma intensidade particular que é constrangedora. Foi esta mesma peça que inspirou Chausson a escrever seu próprio, agora muito mais famoso, Poème para violino e orquestra, op. 25.

A Méditation-Poème que se segue é um pouco mais complicada, e Rocha é magnífico, tocando com a maior dignidade e sofisticação, enquanto Santos aprecia as suas oportunidades no centro das atenções aqui. A forma como Ysaÿe nos devolve a um lugar de tranquilidade é tão hábil, e com Monteiro e Rocha no comando, o ouvinte encontra um lugar de ruminação profunda, levemente perfumada. Rocha toca com o vibrato certo, expressivo sem exagerar no pudim; as delicadas escalas ascendentes próximas ao fecho também são soberbamente negociadas.

Um disco cheio de delícias e surpresas, de nuances súbtis, de revelações. Definitivamente um para a shortlist dos Discos do Ano. Um disco soberbo em todos os níveis.

Ao longo da performance, apreciei o dar e receber solidário entre os músicos e o sentido de poesia que eles trazem para a música. Apesar de ser uma obra romântica de grande escala, os momentos febris são mantidos sob controlo e podemos desfrutar da poesia que encontramos nas obras menores de Chausson.

O Poeme Elegiaque de Ysaÿe é outra peça de grande escala, um andamento único com duração de quase 15 minutos. Ysaÿe inspirou-se em Romeu e Julieta de Shakespeare e musicalmente em Wagner, mas também em Chausson, Franck e Fauré. A obra vive muito num mundo semelhante ao Chausson. A corda Sol do violino é afinada até Fá, dando um som um pouco mais rouco e mais escuro à peça. Temos um violino poético e fluido sobre um piano pulsante. Esta é uma rapsódia muito livre, e enquanto o piano de Santos é maravilhosamente sensível, o foco está no violino de Monteiro. Há momentos em que a peça parece quase romper os limites, como se Ysaÿe realmente quisesse escrever uma obra para violino e orquestra.

O sentido de rapsódia livre de Ysaÿe também aparece no seu Poema-Mediação, e aqui ele enfatiza as coisas mostrando as mudanças de métrica por meio de um único número escrito acima da partitura, em vez de assinaturas de tempo convencionais. Começa com um estilo poético sombrio e assombroso, uma verdadeira meditação poética. E mesmo quando as coisas aquecem, Rocha e Santos mantem essa sensação de rapsódia livre ao lado da meditação poética.

(…) Gostei imenso deste disco, os três instrumentistas conquistam todos os desafios da escrita instrumental sem sequer fazer uma refeição. Ao longo do tempo, os três permanecem sensíveis à poesia das peças, e o trio em particular tem uma adorável troca íntima entre os três instrumentistas.

A gravação feita por José Fortes também faz muito sucesso: o equilíbrio é excelente (sempre difícil em trio com piano), numa mistura perfeitamente dosada de clareza e sonoridade. Parabéns também pelo facto de que tanto o afinador de piano quanto a pessoa que ajudou o pianista a virar a partitura são claramente mencionados. Eu não vejo isso com frequência!

O Trio é seguido por duas composições de Eugène Ysaÿe. O Opus 12 “Poème élégiaque” foi composto para violino e piano. Segue-se o Opus 16 “Méditation”, originalmente composto para violoncelo e orquestra e apresentado neste álbum com violoncelo e piano. Ambas as peças têm mais de dez minutos de duração, tornando-as um pouco longas demais para selecções de encores. No entanto, para aqueles de nós que conhecem Ysaÿe principalmente (se não inteiramente) pelo seu conjunto Opus 27 das seis sonatas para violino solo, estas faixas proporcionam duas jornadas de descoberta altamente envolventes. Elas distinguem este álbum de qualquer uma das gravações anteriores do trio Chausson e valem o valor de um encontro com Ysaÿe de um ponto de vista diferente.

Bruno Monteiro mostra um belíssimo timbre e destreza técnica na peça para violino, e Miguel Rocha investe na peça para violoncelo com muita cor e caráter, mantendo o equilíbrio nas passagens mais difíceis da partitura.

O pianista João Paulo Santos, que toca em todas as três obras do disco, exibe um trabalho de dedos impressionante e é um parceiro de música de câmara muito ágil e sensível tanto no Trio quanto nas duas peças de Ysaÿe.

Às vezes misteriosa, outras vezes mágica, mas sempre milagrosa, esta performance de Chausson irá transportá-lo para lugares onde nunca esteve e de onde nunca mais vai querer voltar. Merece a mais urgente recomendação.

CLASSIFICAÇÃO: 10/10

‍A pintura expressionista Frau, eine Blumenschale tragend do pintor alemão August Nlacke (1887-1914) na capa é uma excelente ilustração do conteúdo colorido, fresco, poderoso e surpreendente deste CD. Sonatas para violino subpostas do português Luís de Freitas Branco (1890-1955) e do brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959) ladeiam a famosa Sonata para violino do francês Maurice Ravel (1875-1937).A primeira sonata para violino de Freitas Branco depende muito da escola francesa, os seus compassos de abertura e forma cíclica lembram até mesmo a de César Franck. No entanto, a obra logo se desdobra em uma peça original cheia de optimismo, paixão, lirismo poético e temperamento. Essas características também se aplicam à Segunda Sonata para Violino de Villa-Lobos, que de suas quatro sonatas para violino provavelmente se encaixa melhor neste programa equilibrado. O violino confiante de Bruno Monteiro está carregado de energia, mudando um som firme e feroz com cadência suave. Às vezes ele ousadamente articula algo contra as notas, o que soa absolutamente doentio aos meus ouvidos, mas é uma expressão de liberdade absoluta, espontaneidade e entrega à música. João Paulo Santos acompanha com uma assinatura igualmente pessoal, completamente igual, refinada e tecnicamente sublime. É claro que tanto a música portuguesa como as outras obras funcionam - como diz no booklet “já se apresentaram muitas vezes em concertos”: trata-se de uma maneira de tocar perfeitamente equilibrada ao mais alto nível. A técnica de gravação mantém violino e piano num equilíbrio exemplar num amplo espectro dinâmico. Esta magistral mistura luso-francesa-brasileira é boa de mais.

Ao lado das sonatas para violino e piano de Ravel e Villa-Lobos"

Aos 45 anos, o violinista português Bruno Monteiro vem desenvolvendo uma intensa carreira no universo camerístico. Ao lado do pianista João Paulo Santos, forma um duo plenamente amadurecido ao longo de 20 anos de existência e muitas gravações.

O que os caracteriza é a inquietação, sempre em busca de novos repertórios ou então obras que permaneceram encobertas pelo tempo e hoje pouco ou nunca frequentam salas de concertos ou estúdios de gravação. Assim, por exemplo, dedicaram um álbum ao compositor checo Erwin Schulhoff, que morreu em 1942 num campo de concentração, durante a Segunda Guerra Mundial. Outro foi dedicado às peças para esta formação de Igor Stravinsky. Em “20th century expressions”, eles interpretam peças de Szymanowski, Bloch e Korngold.

O duo acaba de lançar um álbum pelo selo Etcetera com três sonatas para violino e piano, em que a mais conhecida é a de Maurice Ravel. Mas as atenções acabam deslocando-se naturalmente para as sonatas assinadas por Villa-Lobos (sua sonata Fantasia, no. 2) e a do compositor português Luis de Freitas Branco.

Branco nasceu em 1890 e morreu em 1955, portanto foi contemporâneo de Villa e Ravel. No texto que assina no encarte do CD desta semana, Monteiro considera “estranho” o fato de as sonatas de Villa e Freitas Branco serem “ainda pouco conhecidas do público melómano, pois refletem o inegável talento de dois compositores maiores, um português e o outro brasileiro, que foram, no seu tempo, mestres da sua arte”.

Nas degustações, portanto, vou me concentrar na sonata de Freitas Branco. Ele a compôs aos 17 anos, em 1908 e ainda estudava no Conservatório Nacional de Lisboa. A sonata ganhou primeiro prêmio de composição em concurso na capital portuguesa e provocou, segundo Monteiro, “polêmica”. E explica: “A sonata em si, em relação ao que era feito em Portugal na altura, constituiu uma verdadeira revolução, pois apresenta tendências construtivas e de linguagem formal pouco comuns”.

Monteiro vai aos detalhes: a originalidade estava no uso de “liberdades modulatórias, dissonâncias que estavam longe de pacíficas aos ouvidos dos mais conservadores intelectuais da altura

Bruno Monteiro e João Paulo Santos honram, do primeiro ao último instante, cada uma das obras escolhidas. E depois de tantos e diferentes universos abordados ao longo de 20 anos, não podem restar dúvidas de que ambos, em conjunto, entre si, são intérpretes de eleição do repertório para violino e piano.

O texto de Bruno Monteiro que acompanha a edição em disco constitui um precioso apoio à audição.

Na gravação deste álbum, destaque-se ainda o trabalho do engenheiro de som José Fortes.

A edição é da Etcetera, fundada na década de 1970 e, desde o início, uma das mais exigentes discográficas, na construção do seu catálogo.

No encarte que acompanha o CD, Monteiro surpreende-se com a obscuridade das sonatas de De Freitas Branco, um dos mais importantes compositores portugueses, e as do brasileiro Villa-Lobos, mais conhecido, mas não graças a estas sonatas. Aquela sonata de Freitas Branco, por exemplo, não só ganhou um prémio importante, como causou grande comoção em 1908, quando ele tinha apenas dezassete anos. E, de facto, é uma peça transversal que vai contra as convenções de uma sonata para violino e soa notavelmente moderna, certamente antes de 1908. Particularmente especiais são as partes dois e quatro, claramente inspiradas na música folclórica, o agradavelmente alegre 'Allegretto gicosso' e o animado mas atmosférico 'Allegro con fuoco'.

Villa-Lobos escreveu quatro sonatas para violino, das quais apenas as três primeiras estão disponíveis. A segunda que a dupla toca aqui e que o compositor escreveu em 1914 é considerada a mais colorida. Só esse começo, o 'Allegro vivace scherzando', em que ouvimos claramente os ritmos brasileiros, já faz valer a pena esta sonata. O terceiro andamento, 'Molto animato e final', também é especial, principalmente pela parte do violino. O uso de outros movimentos musicais além da música artística tornou-se mais do que o habitual naqueles anos e também podemos encontrá-los na sonata para violino de Ravel concluída em 1927, uma peça muito mais famosa do que as outras duas deste álbum. A segunda parte não se chama 'Blues (Moderato) ‘ à toa e os dois músicos tocam-na com a tristeza necessária e uma boa dose de melancolia.

Monteiro e Santos têm claramente uma afinidade com estas três peças, tocam-nas regularmente em recitais e isso ouve-se claramente. Além disso, os dois acumularam já muitas horas de voo juntos. A interacção apaixonada e suave resulta num belo álbum.

Este novo lançamento pela editora holandesa/belga ETCETERA de três Sonatas para Violino, apresentou-me agora a outro conterrâneo, o compositor Luís de Freitas Branco, bem como aos dois instrumentistas portugueses que atuam no CD. O violinista Bruno Monteiro tem sido aclamado como um dos principais violinistas do seu país, e seu extenso repertório inclui a grande maioria das Sonatas para Violino do Barroco ao século XX. Frequentemente é acompanhado pelo pianista João Paulo Santos, e é esta parceria que ouvimos no presente CD.

‍Com toda a habilidade artística de um recém-nascido, raramente, ou nunca, comento a capa de um CD, excepto quando o texto parece difícil de ler porque não há contraste suficiente com a cor de fundo. Mas certamente não é o caso aqui, onde a imagem da capa, do pintor alemão August Macke (1887-1914), realmente se destaca da multidão, com a predominância de um verde chamativo. A única pequena incongruência aqui, no entanto, parece ser que, enquanto Macke era um expressionista, a música no CD se inclina decididamente mais na direcção do impressionismo.

O próprio Monteiro escreveu as notas da capa, e elas fornecem uma visão interessante e informativa sobre os compositores aqui gravados e suas obras. Ele começa por dizer que ele e Paulo Santos tocaram as três Sonatas para Violino deste CD muitas vezes em concerto, e classifica as três muito bem, apesar de as duas de Branco e Villa-Lobos respectivamente, ainda serem pouco conhecidas pelos amantes da música em geral. Embora claramente interessado nestes dois compositores – o antigo português e o segundo brasileiro – Monteiro manifesta a esperança de que as “interpretações aqui apresentadas contribuam para uma maior apreciação destas obras”.

Luís de Freitas Branco nasceu em Lisboa numa família aristocrata que durante séculos manteve laços estreitos com a família real portuguesa. Teve uma educação cosmopolita, aprendendo piano e violino ainda criança, e começou a compor em idade precoce. Os seus estudos levaram-no a Berlim e Paris, onde trabalhou com Engelbert Humperdinck entre outros compositores. Mais tarde, regressou a Portugal e tornou-se professor de composição no Conservatório de Música de Lisboa, em 1916, e onde se tornou um dos principais responsáveis pela reestruturação do ensino musical no país. Durante a década de 1930 encontrou cada vez mais dificuldades políticas com as autoridades e foi finalmente forçado a aposentar-se das suas funções oficiais em 1939.

Continuou, no entanto, a compor e a prosseguir a sua investigação sobre a música antiga portuguesa.

Compôs a sua Sonata n.º 1 para Violino e Piano em 1908, quando, aos dezassete anos, era aluno do Conservatório Nacional de Lisboa. Não só ganhou o primeiro prémio num concurso de composição realizado na cidade, como também gerou boas críticas, pois seu conteúdo era considerado quase revolucionário na época, quando comparado com as obras de tom mais conservador de seus contemporâneos. Como nos informa Monteiro, essa recepção foi ainda mais exacerbada pelas comparações feitas entre a primeira sonata de Branco e a obra de César Franck para a mesma combinação, surgida alguns anos antes, em 1886. A sonata de Franck fez uso significativo da forma cíclica – onde um tema ou motivo ocorre em mais de um andamento como dispositivo unificador, com ou sem qualquer tipo de metamorfose temática. Mas de novo não havia nada de sinistro em partilhar a mesma técnica composicional, pois Branco, na altura, era muito próximo de Désiré Pâque, compositor, organista e académico belga que viveu alguns anos em Lisboa, e de quem Branco recebeu aulas e conselhos.

A sonata está em quatro andamentos, e certamente há mais do que uma semelhança passageira entre sua abertura Andantino e o movimento correspondente da sonata de Franck. Achei que o violino parecia especialmente próximo ao microfone, embora isso dificilmente tivesse qualquer efeito prejudicial no som em geral e, é claro, amplificou fisicamente a opinião de Monteiro sobre a natureza já apaixonada da escrita. O final é bastante mágico, já que o andamento chega ao seu fim abafado em um acorde de Ré maior do piano sustentando um lá delicadamente sustentado no violino.

O segundo andamento certamente faz jus à sua marcação Allegretto giocoso, pois é tão cheio de diversão e bom humor por toda parte. A leitura revigorante de Monteiro e Santos vale definitivamente para a jugular, por assim dizer, e o desempenho espirituoso que carrega tudo junta com ele, um pouco como um rio de fluxo rápido - um scherzo-equivalente de dois em um compasso altamente agradável em forma ternária, que termina com um verdadeiro brio.

‍Em termos harmónicos, há quase algo 'tristanesco' nos acordes de piano no início do Adagio molto, mas isso é de curta duração e leva a uma melodia calorosamente romântica ouvida primeiro no violino, sobre um acompanhamento tipo arpejo de o piano, que mais tarde tem seu próprio momento quase impressionista para brilhar um pouco, antes de permitir que o violino conclua o movimento em calma reflexão. Mais uma vez, sinto que, embora a captação aparente do violino tenha, é claro, capturado todas as nuances e subtilezas do toque, às vezes ser muito "perto e pessoal" nem sempre é o melhor ponto de vista. De facto, desde então tenho ouvido outros exemplos de gravações em duo do Senhor Monteiro, onde a execução soou um pouco mais calma no registo mais agudo. No entanto, ainda é um andamento adorável e o coração emocional da sonata como um todo.

‍Bruno Monteiro descreve o final como “o mais complexo e variado em termos de material temático”. Marcado Allegro con fuoco, há ‘fogo’ mais do que suficiente na performance aqui, de sua abertura resoluta, mas eminentemente inquieta. Branco exige mais dos seus músicos, pois a escrita é visivelmente mais virtuosa para ambos os protagonistas, mas igualmente mais apaixonada, pois revisita temas dos movimentos anteriores. Ele retorna à abertura do final, a partir da qual ele cria um final impressionante, praticamente garantido para colocar o público em pé logo após o floreio final.

A sonata do meio do CD – a Sonata nº 2 em sol maior de Ravel – será, sem dúvida, a mais conhecida, mesmo entre os não-violinistas, e os dados biográficos do compositor já estão bem documentados em outros lugares. Basta dizer, no entanto, que o seu período de gestação foi bastante longo, pois foi esboçado pela primeira vez em 1922, mas só começou a ser montada no ano seguinte, até sua conclusão em 1927. A sua primeira apresentação foi dada pelo colega compositor George Enescu no violino e Maurice Ravel no piano.

Como Monteiro diz no comentário, o primeiro movimento (Allegretto) tem uma sensação bastante pastoral, especialmente a linha melismática do piano com a qual abre. Ao contrário das texturas exuberantes do Branco, a escrita de Ravel é muito mais esparsa, mas isso permite ao compositor comparar e contrastar os timbres individuais dos dois instrumentos para um efeito um pouco maior. Estranhamente, porém, enquanto Branco e Monteiro são compatriotas, ainda que o estilo de escrita do primeiro não seja abertamente português como tal, para mim Monteiro aparece de forma mais convincente na tessitura do Ravel até agora.

O andamento seguinte – Blues (Moderato) – tenta imitar os sons característicos do banjo e do saxofone, e também há um pouco mais de dissonância na escrita, embora isso consiga apimentar esse tipo essencialmente 'cake-walk' do andamento. Escusado será dizer que ambos os interpretes enfrentam o desafio aqui da forma mais eficaz.

‍O finale – Perpetuum mobile (Allegro) – é o andamento mais curto, mas um verdadeiro tour de force que Monteiro e Santos claramente gostam de tocar, e que é muito comunicado na performance. Ambos os instrumentos compartilham um maior virtuosismo aqui, e é concebido como um 'duo', não 'duelo', ainda seria justo dizer que o violino tende a emergir como o 'vencedor' geral.

Heitor Villa-Lobos iniciou sua formação musical com seu pai, e rapidamente aprendeu a tocar violão, violoncelo e clarinete. Após a morte de seu pai, Villa-Lobos ganhou a vida para si e sua família tocando em cinemas e teatros no Rio de Janeiro. Embora ele quisesse estudar medicina, o seu amor pela música e pela educação eram desiguais, preferindo passar tempo com músicos de rua locais, onde ele pudesse se familiarizar e tocar o maior número possível de instrumentos musicais. Entre os dezoito e vinte e cinco anos, viajou pelo Brasil e por várias nações afro-caribenhas, assimilando todos os estilos musicais indígenas que encontrou, o que o ajudou a produzir sua primeira composição, seu Piano Trio No 1 em 1911.

Após retornar ao Rio em 1912, Villa-Lobos tentou brevemente retomar seus estudos anteriores, mas o seu amor e paixão pela música logo mudaram seus pensamentos sobre retomar qualquer tipo de educação formal. Nos dez anos seguintes, ele passou a maior parte de seu tempo como violoncelista e compositor freelancer, até que finalmente ganhou aceitação internacional em 1919, quando compôs sua Terceira Sinfonia (A Guerra), que foi apoiada principalmente pelo governo.

Entre 1923 e 1930, Villa-Lobos tornou-se o centro de atracção do mundo musical de Paris, onde, com generoso financiamento e inúmeras encomendas, entregou-se à paixão pela composição, apesar de sua saúde debilitada. Por fim, ele retornou ao Brasil e na década de 1930 envolveu-se totalmente na expansão do ensino público de música, viajando por todo o país, oferecendo os seus serviços como mentor/consultor. Em 1944 visitou os Estados Unidos para orquestrar muitas de suas obras, antes de retornar ao Rio no ano seguinte, onde co-fundou a Academia Brasileira de Música, onde permaneceu até à sua morte em 1959.

O CD termina com a Sonata nº 2 de Villa-Lobos, também chamada Fantasia, cujo manuscrito data de Setembro de 1914. Acredita-se que a estreia tenha ocorrido no final de Novembro, e certamente foi tocada durante a primeira estada parisiense do compositor em Outubro, 1923, e onde foi recebido com alguma indiferença. O Courrier Musical et Théâtral descreveu-o na época como 'nem brilhante, nem má', o que sem dúvida levou o compositor a fazer algumas alterações e adicionar material ao final, a versão alterada acabou sendo publicada em 1933, juntamente com a Terceira Sonata.

A obra abre com um emocionante e enérgico Allegro vivace scherzando, embora você possa ser perdoado por pensar que há algo errado com o disco, quando tudo o que você pode ouvir é o piano. De facto, Villa-Lobos atribui o primeiro tema apenas ao piano, e o violino não aparece antes de decorrido um minuto. Os ritmos sincopados e a linguagem harmónica da abertura confirmam em muito as raízes brasileiras do compositor e, segundo Monteiro, a obra é uma das mais nacionalistas da produção de Villa-Lobos. O lirismo certamente não é ignorado, porém, e combina com uma boa dose de virtuosismo de ambos os músicos, para fazer deste um dos andamentos mais envolventes do CD até agora, e em nenhum lugar mais do que aqui na sua Coda em tonalidade maior.

O andamento lento que se segue – Adagio non troppo, depois Moderato – é a segunda faixa mais longa do CD e, como no exemplo anterior de Branco, novamente fornece a peça central emocional da Sonata de Villa-Lobos. Como Monteiro diz com tanta propriedade, consiste em uma sucessão interminável de melodias, excepto por um episódio curto e agitado na seção intermediária. Ele continua dizendo que, sem dúvida, é muito 'francês' na sua harmonia e estrutura, o que é uma clara referência aos seus frequentes acenos em direcção ao impressionismo musical, cujos dois protagonistas – Debussy e Ravel – ambos saudados da França. Aqui Monteiro está muito no seu 'sweet-spot', onde o seu som quente e encorpado às vezes quase sugere uma riqueza de violoncelo, e onde o uso do portamento é particularmente apropriado.

O finale abre com uma melodia curta e um tanto banal do piano, mas o violino logo assume o controle e, juntos, os dois músicos trabalham até um clímax temporário antes de chegar a uma seção mais calma no meio do andamento. O virtuosismo e a paixão então retornam, enquanto as melodias são passadas atarefadamente entre os dois instrumentos, em tal abundância que o ouvinte mal consegue acompanhar. Uma vez à vista a passarela, por assim dizer, a música constrói-se, com a ajuda do stretto bem cronometrado do compositor, (aceleração), que culmina num arrebatador final, cuja aproximação ambos os músicos mediram com absoluta precisão, e definitivamente dado o seu absoluto no processo.

‍Sem contar este novo lançamento do Duo Monteiro/Santos, contei apenas dois Cas que oferecem a Sonata Branco. Um tanto previsível, a Sonata de Ravel sai-se bem melhor, com mais de trinta e cinco gravações diferentes disponíveis, enquanto as gravações de Villa-Lobos são cerca de quatro vezes mais abundantes que as de Branco. Dado que as outras duas versões da Sonata nº 2 de Branco estão em Cas exclusivamente dedicados à música de câmara do compositor, como também é o caso da Sonata nº 2 de Villa-Lobos, este novo selo de lançamento certamente poderia ser uma alternativa viável para ouvintes especificamente atentos seja pelo Branco ou pelo Villa-Lobos, ou talvez até pelos dois – e você ainda ganha o Ravel como bónus.

‍Resumindo, as obras do CD pareciam-se dividir convenientemente em três. Com base na própria música – e sou um romântico confesso – devo dizer que gostei mais do Branco. Em termos de desempenho real em si, estou mais atraído pelo Ravel. Quanto ao Villa-Lobos, sinto fortemente que este abrange o melhor dos dois mundos, por assim dizer - musical apaixonadamente divertido e original, apresentado com amor em uma leitura poderosa e bem-sucedida de ambos os intérpretes. Além da minha leve preocupação com a microfonação, no início da minha análise, a gravação em geral capturou a atractividade da música, bem como a qualidade e a verve da execução, e é um produto de boa aparência esteticamente.

O violinista Bruno Monteiro e o pianista João Paulo Santos surgem como uma “dupla” empática e habilidosa – dois artistas, mas mais importante, dois bons amigos simplesmente fazendo música juntos – certamente o que a música de câmara deveria ser.

Quando falamos da sonata para violino Ravel, sempre nos referimos à sua segunda, que foi escrita entre 1923 e 1927 e rapidamente se tornou mundialmente famosa e popular por causa do blues no meio movimento. Os portugueses conseguem dar um desempenho técnico e musicalmente sólido (…) o blues é absolutamente fascinante; e aqui também é permitido a Monteiro saborear os seus portamenti de forma estilisticamente adequada (…)

O brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959) escreveu quatro sonatas para violino, a última das quais provavelmente perdida. A segunda, Sonata fantasia (1914), consiste em três andamentos completos e é uma das primeiras composições em que Villa-Lobos incorporou elementos da música folclórica indígena (?). O destaque é o segundo andamento variado e sincero, que pega em humores impressionistas. A interpretação de Monteiro e Santos da obra, particularmente elaborada e compensadora em termos de ambientação pianística, revela-se altamente envolvida emocionalmente; o grande arco permanece cheio de tensão (…)”

Gravações comparativas: [Freitas Branco]: Alessio Bidoli, Bruno Canino (Sony, UPC: 194399959923, 2021); [Villa Lobos]: Emmanuele Baldini, Pablo Rossi (Naxos 8.574310, 2020).

O virtuoso pianista João Paulo Santos acompanha Monteiro num repertório que inclui três sonatas magistrais para violino e piano, repertório que os dois músicos têm apresentado em vários concertos.Nascido numa família aristocrata, Freitas Branco compôs a Sonata nº. 1 para violino e piano em 1908, quando tinha apenas dezassete anos. A peça é escrita em quatro andamentos cíclicos, com temas dissonantes indo e vindo entre os quatro andamentos.

Por outro lado, Maurice Ravel estreou a Sonata no. 2 para violino e piano em sol maior em 1927 - com ele no piano e George Enescu como solista - e dedicou-o à sua amiga íntima, a violinista Hélène Jourdan-Morhange, que infelizmente não pôde estrear a peça devido a problemas de saúde. Nesta sonata, a parte do piano é o centro das atenções - Ravel queria individualizar os dois instrumentos - e Santos se expressa com sons muito peneirados. A linguagem de Monteiro é cativante, respeitando as evocações do compositor francês.

Do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos, os dois artistas portugueses interpretam a Sonata no. 2 para violino e piano, chamada Fantasia, composta em 1914. Vale destacar sua abrangência expressiva, os ritmos sincopados brasileiros e a construção técnica, que preserva a liberdade estrutural da fantasia. A sofisticação harmónica acompanha as melodias incomparáveis com que Monteiro nos move através de uma voz pura de sons claros; uma estética suave que contrasta com o impressionante stretto do último andamento.

Luís de Freitas Branco (1890-1955), contemporâneo de Villa-Lobos a tempo inteiro, escreveu a sua primeira sonata para violino aos dezassete anos, quando era aluno do Conservatório Nacional de Lisboa. Um jovem artista que apresenta uma obra em que os intervalos de sétima e nona, dissonâncias e modulações livres acompanham melodias ricas em nuances líricas. Bruno Monteiro e João Paulo Santos são dois extraordinários interlocutores desta partitura escrita em quatro andamentos e que responde no “Andantino inicial” a uma estrutura de sonata bitematica com um segundo tema de carácter modulador e que oferece uma vasta gama de cores pelos artistas. Um "Scherzo" muito colorido dá lugar a uma melodia apaixonada do terceiro andamento - muito rica em cromatismos que Monteiro capta na perfeição - para abrir as portas ao último último andamento, agitado, vigoroso, apaixonado e virtuoso.

Se interpretativamente não há senão uma obra que raramente pode ser ouvida nas nossas latitudes, na Sonata n. 2 de Ravel a versão destaca-se pelo seu carácter sugestivo, já pela forma como expressam o tema pastoral como a personalidade que Monteiro imprime nos staccati do segundo tema. O segundo andamento leva-nos aos ares do blues, com um piano que cumpre com sucesso o seu papel de instrumento rítmico e de percussão, e o virtuosismo do terceiro andamento, um perpetuum mobile com grandes arpejos, testa o virtuosismo de ambos os instrumentistas.

Como conclusão do programa, a Sonata no. 2 de Villa-Lobos, uma verdadeira fantasia estruturada em três andamentos cheios de imaginação e habilidade de escrita. O primeiro radiante, com síncopes e ritmos opostos, confronta um segundo tema lírico lindamente exposto por Monteiro. Em câmara lenta, ricas em harmonias que emergem deliciosamente do piano, acariciam melodias extremamente líricas e expressivas. A cor reaparece com todo o seu caráter na dança final, um andamento em que ambos os intérpretes exibem todo o ritmo e coesão musical já evidenciados em todas as obras.

O acompanhante de Monteiro, o pianista João Paulo Santos, é diplomado pelo Conservatório Nacional de Lisboa, concluindo os seus estudos de piano em Paris com Aldo Ciccolini. Nos últimos quarenta anos trabalhou na Ópera de Lisboa, primeiro como Maestro Chefe do Coro e mais recentemente como Director de Estudos Musicais e Cénicos. Ele também se destacou como maestro de ópera, pianista de concerto e pesquisador. Juntos, Monteiro e Santos formam um duo excepcional e fazem uma música excelente.

No presente álbum, oferecem três sonatas para violino e piano. A primeira, de Luis De Freitas Branco (1890-1955), talvez o menos conhecido dos compositores representados no programa. De Freitas foi um compositor, professor e musicólogo português que teve um papel importante na evolução da música portuguesa na primeira metade do século XX. Entre as suas obras mais importantes estão quatro sinfonias, um concerto para violino e inúmeras peças mais curtas, incluindo a selecção que temos aqui, a Sonata nº 1 para violino e piano, escrita em 1908, quando o compositor tinha apenas dezassete anos e estudante do conservatório em Lisboa. Ele criou um pouco de agitação no meio musical por causa das suas tendências um tanto revolucionárias (ou seja, modernas). Digamos que sua forma cíclica e dissonâncias ocasionais não fossem tão agradáveis aos ouvidos quanto a maioria de seus predecessores românticos.

O andamento inicial é um Andantino, um pouco mais rápido que um Andante, que por si só pode ser bastante lento. Seja como for, o Andantino é o que mais se aproxima da sonata de uma veia puramente romântica, pelo menos na forma como Monteiro e Santos o tocam. É doce e lírico e demonstra amplamente o estilo sensível de ambos os músicos. O segundo movimento ilumina as coisas consideravelmente: uma brincadeira leve e divertida. O compositor marca o terceiro movimento Adagio molto, muito lento, e os dois instrumentistas dão-lhe um grau extra de delicadeza. É muito bonito, arrebatador, na verdade. No final, um Allegro con fuoco, as coisas tomam um rumo decididamente moderno, embora Monteiro e Santos modulam os conflitos para mantê-lo em sintonia com o sabor meloso dos andamentos anteriores.

Em seguida, temos a Sonata nº 2 para violino e piano em sol maior, concluída em 1927 pelo compositor francês Maurice Ravel (1875-1937). Monteiro e Santos consideram-na importante porque duas das sonatas de Bela Bartok a influenciaram e porque foi a última obra de câmara que Ravel escreveria. Quando estreou, apresentava George Enescu no violino e o próprio Ravel no piano. Soa típico Ravel, cheio de impressionismo sonhador, que Monteiro está especialmente interessado em comunicar. No entanto, o violinista nunca deixa que se torne desmaiado ou sentimental. O segundo andamento é intitulado “Blues”, obviamente modelado após as expressões idiomáticas do jazz americano que se tornaram tão populares na época. Monteiro e Santos conseguem com segurança fácil. Parece haver pouco além de seu alcance. O terceiro e último movimento é um “Perpetuum mobile”, um allegro que encerra os procedimentos em uma espécie de turbilhão. Mais uma vez, os músicos são perfeitos ao lidar com o clima e o sabor da peça.

A selecção final é a Sonata nº 2 para Violino e Piano Fantasia do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959). Aparentemente teve uma recepção morna nas suas primeiras apresentações, mas ganhou apoio entusiástico alguns anos depois, após algumas revisões e sua publicação em 1933. Como grande parte da música de Villa-Lobos, é rica, vibrante e encantadora por toda parte, e Monteiro e Santos dão-lhe o devido toque. A forma de tocar deles é espirituosa, mas refinada, vivaz, sensível, e sempre colorida. Esta peça encerra mais um álbum encantador de um par de músicos talentosos.

Os produtores Bruno Monteiro e Dirk De Greef e o engenheiro José gravaram a música na Sala de Concertos do ISEG, Lisboa, Portugal em Dezembro de 2021. Não se podia pedir melhor som. Tanto o violino quanto o piano estão tão realistas quanto estar na sala com eles. Definição nítida, clareza excepcional, mas suave e natural, o som é de primeira classe em todos os aspectos.

Curiosamente, estas três peças maravilhosas recebem pouca ou nenhuma atenção no mundo da música cotidiana, porque apenas a Sonata para Violino de Ravel está regularmente na programação de muitos duos. No que me diz respeito, essa imagem sombria pode ser estendida sem reservas à discografia, porque também nesse domínio a colheita é decididamente escassa. Será que o ditado 'desconhecido torna não amado' é verdade? O que se desconhece não é para ser amado em nenhum caso, mas o fato de as sonatas para violino do português Luís de Freitas Branco (190-1955) e do brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959) serem peças de repertório 'normais' está fora de questão para mim, então aproveite a oportunidade com este novo álbum!

O violinista Bruno Monteiro prima por sons apaixonados e ricamente variados, num discurso em que dominam linhas estritamente claras, que são por ele desdobradas alternadamente com energia, suavidade e lirismo. O seu domínio técnico é perfeito, o panorama extremamente evocativo. As frases soam espontâneas, a natureza intuitiva de sua execução traz uma multicolorida encantadora, além de aventura. Em suma, estamos lidando aqui com um violinista de topo.

Mas há muito mais para desfrutar, porque a execução extremamente sensível de Monteiro pode ser encontrada também no seu parceiro musical, o pianista João Paulo Santos, que combina poesia, temperamento e finesse com a mesma naturalidade e fluidez e, como Monteiro, garante um verdadeiro carimbo pessoal nesta música. Ele não associa o cantabile tocando com fondant, o som também mantém seu caráter conciso nas passagens líricas, enquanto nos fortes o som permanece nobre, cheio de muitas nuances e combinações de cores particularmente bem trabalhadas. Assim, a sua abordagem a estas partituras é tão idiomática quanto a de Monteiro e seu sentido de estrutura também garante direcção e propósito.

O facto de os dois músicos portugueses se dedicarem de todo o coração à música do seu compatriota Luís de Freitas Branco é, por si só, muito louvável. Nesse sentido, podemos aprender muito com tal engajamento, que é musicalmente tão convincente que coloca a obra deste compositor no sol mais bonito e quente que se possa imaginar. Músicos holandeses até falham irremediavelmente quando se trata de sua conexão com compositores holandeses; e certamente não é desde ontem. E então eu nem penso inicialmente em compositores de um 'ano' bastante recente, como Peter Schat, Jan van Vlijmen, Kees van Baaren, Rudolf Escher ou Hans Henkemans, mas ainda um pouco mais distante como Matthijs Vermeulen, Willem Pijper e Hendrik Andriessen. Não só ela, fuga estreita - excepto isso. Felizmente - completamente inesperada - também há boas notícias a dar: o lançamento de obras para piano de Louis Andriessen, Leo Smit, Willem Pijper, Jan Wisse, Hans Henkemans, Theo Loevendie e Joey Roukens pela dupla de piano Lucas e Arthur está prevista para o final deste mês.

Monteiro também deu a excelente explicação e José Fortes assinou uma gravação que não revela nenhum detalhe, mas também prima pela sonoridade. No que me diz respeito, o técnico de piano Fernando Rosado também pode compartilhar plenamente dessa alegria absoluta do som.

Compositores mais famosos como Luis de Freitas Branco e Heitor Villa-Lobos estão ligados a Maurice Ravel, que muitas vezes se inspirou no som latino da sua geração.

Sharp

Freitas Branco (1890-1955) tinha apenas dezassete anos e estudava no Conservatório de Lisboa quando escreveu a sua primeira sonata para piano e violino. A nova linguagem musical que a peça difundiu atraiu de imediato o grande público, até rapidamente ganhou prémios. É uma obra cíclica em quatro partes, como lhe apresentou César Franck. Provavelmente entrou em contacto com a música de Franck graças ao compositor belga Désiré Pâque, que o ensinou em Lisboa. É uma obra com arestas ásperas, cantos e recantos scherzo afiados e passagens melódicas apaixonantes.

O expressivo

Ravel (1875-1937) levou muito mais tempo para compor sua segunda sonata para violino e piano. Os primeiros contornos foram desenhados em 1922, não sendo considerada concluída pelo compositor até 1927. Dedicou-o à sua boa amiga Hélène Jourdan-Morhange, que não compareceu à estreia devido a problemas de saúde. Os artistas eram o próprio Ravel no piano e George Enescu no violino. Diz-se que para esta sonata em sol maior, Ravel encontrou os mosteds com Bartók, pelo seu típico caráter expressivo. É uma peça que tem um efeito construtivo. Pequenas nuances e staccatos garantem que se mova cada vez mais para um terceiro movimento pronunciado. Segue-se então um belo movimento conciliatório, doce e caloroso.

O apaixonado

Villa-Lobos, compositor brasileiro por excelência, escreveu nada menos que quatro sonatas para os dois instrumentos preferidos de nossos intérpretes. No entanto, a última sonata foi perdida. A segunda, a Fantasia,seria a mais rica das quatro – composta em três partes. É por isso que ela se encaixa melhor no espírito deste álbum. A obra foi escrita no início de 1914 e deveria estrear no mesmo outono. A recepção do público em geral não foi imediatamente convincente, mas também não desaprovou. Villa-Lobos fez alguns ajustes e republicou a obra em 1933, juntamente com sua terceira sonata. O resultado é cheio de vida e tradições. Ritmos latinos e lirismo irão impressioná-lo imediatamente, juntamente com algumas referências ao romantismo francês. A linguagem da paixão com toques na linguagem do amor. A apoteose fala por si, com um grande stretto.

Este álbum é perfeito para a época do ano. Os primeiros raios de sol enchem os nossos corações, queremo-nos mexer e sentir borboletas. Gostaríamos de compartilhar esse sentimento também. E o que poderia ser melhor do que a música certa na hora certa.

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‍Luis de Freitas Branco (1890-1955) estudou em Berlim e Paris, entre outros com Paqué e Humperdinck. Ele é mais conhecido pelas gravações orquestrais que Alvaro Cassuto dirigiu para a Naxos.

Tal como nas suas sinfonias, o compositor português também mostra afinidade com a música francesa na sua música de câmara. Como o Scherzo Fantastique, a sua primeira sonata, ambas compostas aos dezassete anos, lembra César Franck, que admirava. Mas o violinista Bruno Monteiro destaca a independência de Freitas Branco.Ele encontra muita paixão na sonata, mais dançante também (por exemplo, no 2º andamento fortemente acentuado), e toca toda a composição com muita intensidade lírica.

Também na sonata para violino de Ravel, Monteiro e o seu parceiro altamente confiável mostram-se intérpretes imaginativos.

Villa-Lobos compôs a sua Sonata para Violino nº 2 em 1914, e apresenta uma parte de piano muito elaborada que João Paulo Santos toca com excelente retórica. Bruno Monteiro toca com grande requinte e eloquência fina. A sua técnica está à altura dos muitos desafios e a sua maneira de tocar soa livre e espontânea.

Este é o segundo álbum que ele gravou para a Etcetera Records depois de se mudar da Brilliant Classics. Como observei quando escrevi sobre o seu primeiro lançamento na Etcetera com a música para violino e piano de Igor Stravinsky, isso é um pouco desvantajoso para os interessados nas gravações de Monteiro. De acordo com o Google, estes álbuns estão disponíveis na Web apenas através do site Etcetera. Felizmente, uma página da Etcetera na Web existe para comprar o último álbum de Monteiro aparece numa pesquisa no Google. No entanto, a Etcetera está sediada na Bélgica, o que significa que o pagamento é em euros; e, dado que as condições de pandemia ainda prevalecem, não está claro o quão eficiente será a entrega.

Isto é lamentável, já que o álbum é uma deliciosa jornada de descoberta. A “carne familiar” da “sanduíche” é a segunda sonata para violino de Maurice Ravel na tonalidade de sol maior, uma composição que continua a receber muito menos atenção do que merece. Segue-se outra “segunda sonata”, esta composta por Heitor Villa-Lobos em 1914. (O compositor na verdade chamou a essa composição de “sonate-fantaisie”). Do compositor Luís de Freitas Branco, a primeira das suas duas sonatas para violino, composta em 1907.

A sonata de Villa-Lobos provavelmente será uma viagem de descoberta tanto quanto a sonata de Freitas Branco. Casara-se recentemente com a pianista Lucília Guimarães; e, como ele próprio não aprendeu a tocar piano, provavelmente foi influenciado tanto pela sua técnica quanto pelo seu estilo. Dito isto, é improvável que a música lembre a maioria dos ouvintes das obras mais familiares do catálogo de Villa-Lobos, tornando a composição uma jornada envolvente de descoberta.

A sonata Freitas Branco, por outro lado, é mais difícil de classificar. Estudou música em Berlim e Paris; e o seu professor mais conhecido (pelo menos de acordo com sua página da Wikipedia) foi Engelbert Humperdinck. O meu primeiro encontro com os primeiros compassos dessa música fez-me pensar se ele conhecia a sonata para violino em lá maior de César Frank. No entanto, Freitas Branco traça definitivamente o seu próprio caminho respeitando o enquadramento geral de uma sonata a quarto andamentos; e a performance de Monteiro deixou-me curioso sobre que outras peças estão à espreita no catálogo deste compositor português.

A Sonata para Violino em Sol de Ravel de 1928 recebe a intensidade necessária neste som enérgico, mas os efeitos paródicos do movimento lento não escapam à atenção dos dois, e o mesmo se aplica ao pizzicati. Isso dá à música alguma emoção.

A Sonata Fantasia nº 2 de Villa-Lobos é uma obra muito original e pessoal, mas relativamente desconhecida do brasileiro de 1914.

Este acabou por ser um recital interessante com aquelas sonatas que raramente ou nunca se ouvem nos palcos aqui, mas que agora podemos desfrutar plenamente em CD graças às interpretações muito bem acabadas e espontâneas de Bruno Monteiro e João Paulo Santos.

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‍Este disco de dois músicos portugueses, o violinista Bruno Monteiro e o pianista João Paulo Santos pela editora Etcetera, apresenta três grandes sonatas para violino da primeira metade do século XX, do compositor português Luís de Freitas Branco, do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos e o compositor francês Maurice Ravel. Uma sonata quase desconhecida, outra não tão conhecida como deveria ser e outra bastante familiar, mas as três fazem um programa altamente satisfatório e trazem elementos interessantes uma da outra.

Nascido em Portugal de família aristocrática, Luís de Freitas Branco foi um dos maiores compositores portugueses do início do século XX e a sua produção inclui quatro sinfonias e um concerto para violino. A sua Sonata nº 1 para Violino e Piano foi escrita em 1908, quando tinha apenas 17 anos e ainda era aluno do Conservatório Nacional. Passou a ganhar um concurso em Lisboa, mas também a gerar alguma polémica em parte pela linguagem harmónica do compositor. Embora soe tipicamente romântico tardio para nós, era significativamente diferente do estilo musical relativamente conservador predominante em Portugal na época.

A obra também gerou comparações com a sonata de Franck em parte porque a obra de Freitas Branco usa as mesmas ideias de forma cíclica que Franck. E ouvindo a obra podem-se ouvir ligações temáticas distantes. No entanto, a abertura Andantino também traz dicas do blues lento na sonata de Ravel. Monteiro toca com uma linda linha adocicada e com um fascinante uso do portamento neste andamento. O alegre scherzo tem um elenco folclórico no seu material, enquanto no lento e pensativo Adagio molto Freitas Branco nos dá algumas harmonias soberbamente ricas. O final longo começa vigorosamente com uma linha de violino altamente cromática, mas à medida que este andamento se desenvolve, recebemos sugestões do material anterior, dando-nos um andamento complexo com uma clara soma da forma cíclica.

A Sonata nº 2 para violino e piano de Maurice Ravel foi sua última obra de câmara. Demorou um pouco, Ravel estava a escrever esporadicamente de 1922 a 1927. Foi escrita para a sua amiga, Hélène Jourdan-Morhange, mas a doença impediu-a de tocá-la e a estreia foi dada por George Enescu com o compositor ao piano.

O primeiro andamento Allegretto é o maior e mais complexo dos três andamentos. Há uma elegância requintada na escrita de Ravel que os dois intérpretes trazem e, para todo o sentimento pastoral geral, há alguns momentos interessantes na música também. O segundo andamento é talvez o mais conhecido, marcado Blues (Moderato); para todas as harmonias de blues e efeitos de banjo, esta ainda é muito a performance de Ravel e Monteiro mantém a música firme na sala de concerto clássica. No final de Perpetuum mobile final, os dois artistas deslumbram, mas também trazem a sensação de que Ravel estava de alguma forma canalizando Stravinsky, mas igualmente podemos ouvir frases tipicamente ravelianas.

Heitor Villa-Lobos escreveu quatro sonatas para violino, embora a última tenha desaparecido. A sua Sonata nº 2 para violino e piano data de 1914 (embora não fosse publicada até 1933). Villa-Lobos chamou-a de Fantasia, embora a sua estrutura de três andamentos seja bastante clássica. Na época, Villa-Lobos ainda não havia visitado Paris, não havia descoberto Stravinsky e ganhava a vida principalmente como violoncelista em orquestras e cafés. Como tal, o seu manuseio da estrutura da sonata é enormemente confiante.

O andamento de abertura começa com uma longa exposição de piano, antes da entrada do violino. Há uma certa influência folclórica no material melódico e nos ritmos que Villa-Lobos utiliza, mas todos contidos num contexto altamente estruturado. Este é um andamento complexo com tensão que se desenvolve no final, surpreendentemente súbito. O andamento lento é mais puramente lírico com Monteiro deliciando-se com a série de belas melodias que Villa-Lobos produz. Para o Finale, o piano novamente assume a liderança e, apesar de toda a natureza de destaque de algumas das composições, fica claro que a sua é uma sonata de duo, e os dois trazem humores altamente variados a este andamento.

Este é um repertório desafiador, Monteiro toca durante toda a gravação com uma linda linha de som doce, mas sem falta de virtuosismo quando necessário. Ele e Paulo Santos claramente adoram este repertório e os dois fazem dele um recital altamente satisfatório.

Curiosamente, esta gravação coincide com uma gravação das sonatas para violino completas mais o trio com piano de Freitas Branco na Sony com Alessio Bidoli no violino, Bruno Canino no piano e com Alain Meunier no violoncelo: lançamento previsto para 25 de março, infelizmente não disponível para fins de comparação aqui, mas se acha que gosta da primeira sonata, essa certamente seria a próxima paragem lógica. Existe, no entanto, uma gravação da Naxos das duas primeiras sonatas para violino lançadas em 2011 por Carlos Damas e Anna Tomasilk. A Sonata para Violino n.º 1 foi escrita em 1908 (tendo o compositor na altura apenas 17 anos e estudante no Conservatório Nacional de Lisboa). É uma obra que tem sido, com alguma justificação, comparada à Sonata para Violino de Franck, na medida em que partilha não só o uso da forma cíclica, mas também um cromatismo perfumado, certamente na abertura Andantino.

É bom receber de volta Bruno Monteiro e João Paulo Santos, que tanto impressionaram no disco de Lekeu (Brilliant Classics). Santos mostra plenamente os gestos românticos do primeiro andamento, sem sobrecarregar o seu violinista, ambos os músicos deliciando-se com a sensação de espaço que Freitas Branco cria. O segundo andamento, Allegretto giocoso, é tão giocoso quanto se poderia desejar. Este é um Scherzo (embora em métrica dupla) com uma passagem de ponte simplesmente maravilhosa de volta à seção A1. Há algo quase gaulês na natureza despreocupada da música; e todo o crédito a Monteiro e Santos por manterem esse andamento para garantir o máximo contraste com as longas e altas linhas cantabile do Adagio molto (um lirismo ecoou em passagens contrastantes no final). A obra está soberbamente construída e é ainda mais bem-sucedida graças à actuação poderosa e ponderada de Monteiro e Santos. A performance de Naxos de Dumas e Tomasik é igualmente boa: afectuosa no primeiro andamento (uma boa gravação, capturando o som adorável de Damas), mas talvez não capturando tão bem a vivacidade do Scherzo. As honras são distribuídas uniformemente no final, embora Monteiro e Santos captem consideravelmente melhor o lirismo velado do Adagio molto. Em suma, o presente lançamento vence, mas tenha em mente que o da Naxos também contém a segunda sonata para violino e o prelúdio para violino e piano.

O Ravel obviamente entra num campo muito mais concorrido, já que Monteiro e Santos oferecem uma performance de muita luz e sombra, Monteiro e Santos apresentam bem as texturas nuas do Allegretto de abertura, com algumas contribuições de piano marcadamente características mais tarde no andamento. Raramente os acordes em pizzicato na abertura do “Blues” soam tão bem, e é aqui que, ao girar na linha blues, Monteiro se destaca antes que o “Perpetuum mobile” inicie seu curso inexorável. Um bom desempenho.Por fim, a Sonata nº 2 para Violino e Piano de Villa-Lobos, “Fantasia”. Foi composta em 1914, mas não publicada até 1933. Traz imediatamente a marca do compositor, não apenas dos ritmos brasileiros, mas também em sua sofisticação harmónica. O Adagio non troppo central é um sonho de uma canção sem palavras para violino; o final, “Molto animato e final”, desenrola-se de forma natural e bela.

Se for necessário um disco das três Sonatas para Violino de Villa-Lobos, provavelmente é melhor escolher o da Naxos (Emmanuele Baldini e Pablo Rossi) sobre G. Njagul Tumangelov e Bojdar Noev, mas mesmo aí acho a gravação de Naxos um pouco abafada em re -conhecimento. Mas, afinal, é o programa deste disco da Etcetera que o torna fascinante.

Um programa muito agradável, bem entregue e gravado: todos os compositores recebem interpretações de muito mérito.

Ao colocar o menos conhecido Igor Stravinsky em destaque, o programa deste CD oferece um excelente serviço ao repertório. O balé “Pulcinella”, orquestrado para uma orquestra de câmara moderna com soprano, tenor e barítono, marcou o início do período neoclássico de Stravinsky. Stravinsky baseou a sua composição em toda a música do século XVIII de Domenico Gallo, Unico Wilhelm van Wassenaer, Carlo Ignazio Monza e Alessandro Parisotti, anteriormente atribuída a Pergolesi. As pontuações foram encontradas por Diaghilev em bibliotecas em Nápoles e Londres.

O balé estreou em maio de 1920 na Ópera de Paris, dirigido por Ernest Ansermet. A dançarina Léonide Massine escreveu o libreto e a coreografia, e Pablo Picasso desenhou os figurinos e cenários. O balé foi encomendado por Sergei Diaghilev. Stravinsky baseou 3 de suas outras obras no seu balé: “Suite d'après des thèmes, fragments et morceaux de Giambattista Pergolesi” para violino e piano (em colaboração com Paul Kochanski) (1925), “Suite italienne” para violoncelo e piano (em colaboração com Gregor Pyatigorski) (1932/1933), e aqui a gravada “Suite italienne” para violino e piano (em colaboração com Samuel Dushkin) (1933). Posteriormente, Jascha Heifetz e Piatigorsky fizeram outro arranjo para violino e violoncelo, que também chamaram de “Suite Italienne”.

O balé “Le Baiser de la fée” (“O Beijo da Fada”) um ato e quatro cenas, foi composto em 1928 e revisto em 1950 para George Balanchine e o New York City Ballet. As 4 cenas são Prólogo, Une fête au village, Au moulin: Pas de deux - Adagio - Variação - Coda - Scène e Épílogo: Berceuse des demeures éternelles. Baseada no conto “Isjomfruen” (“The Ice-Maiden”) de Hans Christian Andersen, a obra foi uma homenagem a Tchaikofsky no 35º aniversário da morte do compositor. Stravinsky desenvolveu várias melodias das primeiras peças para piano e canções de Tchaikovsky na sua partitura. O balé, encomendado por Ida Rubinstein em 1927, foi coreografado por Bronislava Nijinska e estreou em Paris em 1928.

O Divertimento de “Le Baiser de la fée” foi inicialmente uma suite de concerto para orquestra, baseada na música do ballet. Stravinsky editou-o em colaboração com Samuel Dushkin em 1934 e revisou-o em 1949. Em 1932, Samuel Dushkin e o compositor criaram a versão aqui gravada para violino e piano, com o mesmo título. Outra passagem do balé foi arranjada para violino e piano por Dushkin com o título “Balada”. No entanto, este último não recebeu o consentimento do compositor até 1947, após a violinista francesa Jeanne Gautier (1898-1974), esposa de Joaquín Nin (1879-1949), tocar o arranjo. O Duo Concertant para violino e piano é dedicado a Samuel Dushkin. Juntos, eles estrearam-no para a Rádio de Berlim em Outubro de 1932 e gravaram o Duo em Abril de 1933.

Bruno Monteiro deu o seu primeiro recital aos 13 anos e os seus primeiros concertos com orquestra, no Teatro Nacional de São Carlos, em Lisboa, aos 14 anos. Desde então tem feito concertos em todos os grandes centros de Portugal, com um repertório de compositores de Bach a Corigliano, incluindo importantes compositores portugueses. Apresentou-se internacionalmente em Espanha, França, Itália, Holanda, Alemanha, Reino Unido, Áustria, Romênia, Bulgária, Ucrânia, Israel, Dinamarca, Filipinas, Malásia, Coreia do Sul e Estados Unidos. Monteiro já se apresentou em locais de prestígio como o Palácio Cibeles e a Casa de America em Madrid, o Musikverein em Viena, o Centro Cultural de Bucareste, o Bulgaria Hall de Sofia, a Filarmonia Hall de Kiev, o Felicja Blumenthal International Music Festival em Tel Aviv, o Kennedy Center de Washington e o Carnegie Hall de Nova Iorque. Desde 2002 apresenta-se em recital com João Paulo Santos.

A Fanfare Magazine elogia o som de ouro polido de Monteiro, a Strad afirma que seu generoso vibrato produz cores radiantes e a Gramophone Magazine fala de sua certeza e eloquência infalível. Justamente. Junto com seu parceiro, João Paulo Santos, esta é uma edição muito especial das obras de Igor Stravinsky para violino e piano. Além disso, esta nova gravação é a colecção mais autêntica já lançada. É a abordagem inteligente e totalmente musical deste talentoso violinista e do seu admirável parceiro que impressiona.

Tecnicamente impecável, a forma de tocar do violinista é imaginativa e ritmicamente precisa, de modo que as diferentes afinações foram trabalhadas com muita nitidez. A gravação é excelente com a distância certa entre violino e piano. A música de Stravinsky irradia nestas performances de Monteiro e Santos. Certamente há virtuosismo, mas também uma sensação de intimidade e suavidade de som. Devido às performances técnica e expressivamente excelentes e uma boa gravação de som, este lançamento da Etcetera é um CD muito bom e altamente recomendado. Notas informativas do próprio Bruno Monteiro, no folheto que a acompanha, completam esta publicação.

Há uma sensação de falta de pressa nessas interpretações que nos faz considerá-las sob uma luz diferente. Mesmo nos andamentos mais ostensivamente vivazes, como a Tarantella ou o Scherzo da Suíte italienne, há uma concentração na profundidade do som, ao invés de um interesse apenas em faíscas musicais voando, e o equilíbrio fino entre violino e piano também contribui muito para isso. É preciso, no entanto, apontar alguns destaques técnicos, como os belos harmónicos de Bruno Monteiro na Sinfonia e a luz, o toque fluente no Scherzo do Divertimento a partir do Beijo da Fada ou, por parte de João Paulo Santos, a destreza das notas repetidas em forma de címbalo na 'Cantilène' e a imitação do órgão de barril agitado no 'Eglogue I' do Duo Concertant.

Seguindo um relato lindamente sombreado das Três Peças de O Pássaro de Fogo (em particular o Scherzo cintilante), terminamos com a 'Danse Russe' de Petrushka, que aumenta a tensão inexorável do conto de fadas ao máximo, quase como se retomasse todo o cenário em uma peça. Uma gravação muito boa.

Conforme observado pelo musicólogo Richard Whitehouse, a principal razão para o interesse de Stravinsky nessa combinação de violino e piano estava fora de considerações pragmáticas e até comerciais. Embora ainda houvesse comissões no período após a Primeira Guerra Mundial, a necessidade de sustentar a sua família e a inacessibilidade da sua propriedade russa levaram a tornar-se um músico comercial activo. Ele também teve uma carreira secundária como pianista bem remunerado. Dushkin provou ser um colaborador adaptável e voluntário. Ele e Stravinsky trabalharam intensamente no Concerto para Violino, que estreou em Berlim em Outubro de 1931. O sucesso deste trabalho incentivou o compositor a buscar uma parceria de longo prazo, principalmente quando os seus compromissos de concerto como pianista solo eram limitados e as suas aparições orquestrais diminuíam devido à depressão económica. O resultado foi um programa com o qual Stravinsky e Dushkin percorreram a Inglaterra e a França em 1934, a América em 1935 e outros países até à emigração do compositor para os Estados Unidos em 1939.

Este CD abrange quase todas as obras para violino e piano que escreveu durante sua colaboração com Dushkin, a saber, Suíte Italienne para violino e piano, Divertimento para violino e piano The Fairy's Kiss, Duo Concertant para violino e piano, Three Pieces para violino e piano de Firebird e a Danse Russe para violino e piano de Petrushka. Portanto, não é uma antologia ou uma selecção, mas uma gravação completa de um período muito especial da vida artística de Stravinsky.

Naquele tempo, ele estava em transição do que geralmente é chamado de período russo para o que geralmente é chamado de período neoclássico. Nestas obras para violino e piano, o ouvinte cuidadoso pode ouvir influências dos dois períodos. Por exemplo, as três primeiras peças devem muito ao seu interesse e amor por Pergolesi, enquanto as duas últimas composições são cheias de cores e sabores russos, também porque são baseadas em obras do seu período russo anterior.

Os dois instrumentistas são uma dupla excelente: Bruno Monteiro no violino e João Paulo Santos no piano. Ambos são portugueses e têm grandes carreiras internacionais. Santos também é um maestro conhecido e está intimamente associado à Ópera de Lisboa.

Originalmente composta em 1925 e dado o título um tanto fantasioso de Suite d'Après des Thèmes, fragmentos e morceaux de Giambattista Pergolesi, a Suite Italienne abre com uma introdução. O seu equilíbrio melódico e harmonias picantes dão o tom para o que está por vir.

Em seguida, vem uma Serenata. A sua qualidade essencialmente vocal traduz-se naturalmente para o violino, enquanto a enérgica Tarantella apresenta uma interacção notavelmente incisiva entre os dois instrumentos. O coração da Suíte vem com a Gavotte. O seu tema é um elo entre as eras barrocas e moderna.

O Scherzino não dá ênfase significativa ao fraseado e entonação. Os dois andamentos finais desenrolam-se continuamente: o Minuetto constrói desde o seu início casto até um clímax eloquente. O Final parte em um ritmo enérgico e exala humor envolvente a caminho de uma conclusão efervescente.

Como a Suite Italienne, o Duo Concertant é o único outro trabalho original de Stravinsky com a sua parceria com Dushkin. O Cantilene com que abre é notável por uma integração particularmente estreita dos instrumentos, atraindo muito ímpeto do contraste entre suas linhas do violino sem costura e acordes do piano destacados, antes do fecho silencioso, embora incerto.

Seguem-se dois andamentos intitulados Eglogue. O primeiro deles é um estudo de harmonias e ritmos pungentes, enquanto o segundo apresenta frases para o violino suavemente onduladas e respostas pensativas do piano. A Gigue tem a sensação de uma visão oblíqua da medida de dança da Tarantella, com as frequentes mudanças de ênfase rítmica no violino.

Depois disso, o Dithyrambe final sente-se mais discreto na sua interioridade. Por tudo o que atinge o clímax da obra.

As outras peças são arranjos substanciais feitos com Dushkin. O Divertimento é retirado do balé de Tchaikovsky, Le baiser de la fée (O beijo da fada). O Adágio (Pas-de-deux) é encantador.

As três peças para violino e piano de Firebird e a Danse Russe para violino e piano de Petrushka são paráfrases dos dois balés - agradáveis, mas não comparáveis ao original.

Em suma, este é um Stravinsky gentil e terno na sua parceria com Dushkin.

Os itens apresentados no presente álbum são do período neoclássico de Stravinsky, por volta de 1920-1950, aproximadamente. Os números musicais específicos são a Suíte Italienne para violino e piano (1925), o Divertimento para violino e piano The Fairy's Kiss (1932), o Duo Concertant para violino e piano (1932), as três peças para violino e piano do Firebird e a Danse Russe para violino e piano de Petrushka (1933). De fato, de acordo com uma nota de livreto, o programa incluído aqui é o mesmo que o compositor e o violinista Samuel Duskin apresentaram como um único concerto muitas vezes na Europa nos anos 30.

O violinista é Bruno Monteiro, cujo trabalho eu revi antes. Segundo a biografia de Monteiro, o violinista português é considerado pelo diário Publico como" um dos principais violinistas de Portugal "e pelo semanário Expresso como" um dos músicos portugueses com maior visibilidade". Bruno Monteiro é reconhecido internacionalmente como um destacado violinista da sua geração. A Fanfare descreve-o como tendo um "som de ouro polido" e a Strad afirma que o seu "generoso vibrato produz cores radiantes". A MusicWeb International refere-se a interpretações que têm uma 'vitalidade e uma imaginação que estão inequivocamente voltadas para o futuro' e que atingem um 'equilíbrio quase perfeito entre o expressivo e o intelectual'. A Gramophone elogia a sua 'segurança e eloquência infalíveis', e a Strings Magazine conclui que ele é 'um jovem músico de câmara de extraordinária sensibilidade'. "

O colaborador de longa data de Monteiro é o pianista João Paulo Santos, formado no Conservatório Nacional de Lisboa e discípulo em Paris de Aldo Ciccolini. Nos últimos quarenta e poucos anos, Santos trabalhou com o Teatro Nacional de S. Carlos, a Ópera de Lisboa, primeiro como Maestro do Coro e, mais recentemente, como Director de Estudos Musicais e de Cena. Também se destacou como maestro de ópera, pianista de concerto e pesquisador de compositores portugueses menos conhecidos e esquecidos.

Juntos, Monteiro e Santos formam um duo formidável. Agora, quanto à música, se não é um aficionado de Stravinsky, poder-se-á surpreender. Estas selecções estão entre o período neoclássico, como mencionei, começando com a Suíte Italienne. Faz parte da Suíte Pulcinella do compositor, alguns anos antes. Como sempre, Monteiro usa o seu violino como segunda voz, o instrumento cantando radiantemente, e o acompanhamento não afectado de Santos destaca perfeitamente a mensagem lírica do violino.

O restante do programa segue o exemplo. A forma de tocar e a música são elegantes e refinadas, conforme convém ao período. O Divertimento The Fairy's Kiss é geralmente mais leve, mais arejado e mais alegre do que a maioria das outras peças do disco. No entanto, os ritmos da música continuam a impulsioná-la para a frente, e Monteiro aproveita ao máximo os seus contrastes continuamente flutuantes. (Em vários momentos, pensei estar a ouvir o comboio a vapor de Honegger ou o gato valioso de Leroy Anderson.) A música é divertida, e Monteiro e Santos parecem divertir-se com ela. Até o Adagio tem os seus momentos alegres.

O Duo Concertant parece-me a música mais séria da agenda. Além disso, é talvez a mais "moderna" dessas peças neoclássicas nas suas variáveis às vezes estranhas e assustadoras. A música de The Firebird dificilmente precisa de explicação, mas, como é tocada aqui, assume um aspecto mais melancólico do que o habitual. Monteiro, na nota do livreto, chama-as de qualidade "etérea" ou "mágica". Seja como for, é fascinante. A Danse Russe, retirada de Petrushka, que conclui que o programa é enérgica sem ser barulhenta e completa os procedimentos com um belo toque.

O produtor Bruno Monteiro e o engenheiro de som José Fortes gravaram a música na Igreja da Cartuxa, Caxias, Portugal em Novembro de 2019. O som do violino solo é claro e ressonante, bastante realista. O acompanhamento de piano é igualmente bom. Ainda assim, é um dos melhores sons de violino e piano que encontrará em qualquer gravação, então está tudo bem.

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‍O violinista português Bruno Monteiro e o pianista João Paulo Santos recorrem a um repertório pouco tocado, a música de câmara de Igor Stravinsky. E, no entanto, neste programa, também estamos muito próximos da música de balé do compositor.

A Suite Italienne usa principalmente temas do balé Pulcinella, que por sua vez remonta a Pergolesi, assim como Le Baiser de la Fée se refere a Tchaikovsky.

Ao mesmo tempo, as obras fazem referência a Samuel Dushkin, um violinista que encomendara um concerto para violino a Stravinsky, que o compositor relutava em aceitar porque não se sentia realmente à vontade com o género. No entanto, durante o almoço, juntos, os dois chegaram a um acordo. Stravinsky escreveu não apenas o seu Concerto para Violino para Dushkin, mas também o Duo Concertant. E Dushkin ajudou-o na transcrição da música dos balés, porque, após o sucesso do Concerto, Stravinsky queria fazer uma tournée com seu amigo Samuel com música para violino e piano. A tournée consistiu em concertos em Königsberg, Ostrava, Hamburgo, Paris, Budapeste, Milão, Turim, Roma e outras cidades.

Na música de balé transcrita, Bruno Monteiro mostra que a música está realmente longe do original orquestral e provavelmente mais próxima do que Stravinsky pode ter em mente ao compor no piano. A actuação do violinista é imensamente imaginativa e ritmicamente precisa, de modo que o humor é trabalhado com muita clareza. Especialmente quando se trata de ironia ou burlesco, o desempenho é muito característico e picante. O toque nítido e ágil do violinista é uma combinação perfeita para este repertório, assim como sua precisão rítmica torna coerente a sequência de contrastes.

O Duo Concertant é de fato uma sonata de cinco andamentos altamente original, da qual Stravinsky disse que tentou criar "uma obra lírica de condensação musical". No entanto, há muitas interacções nítidas nesta obra-prima, que Monteiro toca expressivamente. Após a performance arrebatadora, Monteiro deixa o lento Dithyrambe florescer intensamente em toda a sua austera beleza.

Com performances tecnicamente e expressivamente extraordinárias e um bom som de gravação, esta produção da Etcetera é altamente recomendável.

O compositor congrega o impossível: o rigor austero, que impede o intérprete de proceder a qualquer 'jogo' com o tempo, e o lirismo que a própria estrutura do primeiro e do último andamento exigem. Monteiro e Santos são exímios na conjugação dos temperamentos que o compositor parece delimitar, abrindo caminho à compreensão de uma obra exigente, que cresce em dificuldade técnica, sobretudo na Giga, e que termina numa reflexão profunda, que remete para o Concerto para violino.

A Suite Italiana, a partir de "Pulcinella", que abre o percurso, tem diferentes transcrições de Stravinsky e do próprio Dushkin. Monteiro e Santos optam por "erguer" uma versão do violinista, de 1934, juntando-lhe um 'Scherzino', a favor da clareza do discurso e da apreensão da obra, no plano tímbrico e rítmico. Destaque-se, em particular, a Tarantella do terceiro andamento, com os seus efeitos percussivos, em que o piano de Santos e o violino de Monteiro inteligentemente sublinham o idioma exigente, próprio de Stravinsky. (...)

Monteiro e Santos superam igualmente as duras provas das três peças de "O Pássaro de Fogo", num caminho que se faz de introspecção e meditação, até ao Scherzo, onde o virtuosismo, afinal, é ponto de honra.

Por fim, como no 'encore' de um recital, surge a "Dança Russa" de "Petrushka", a sequência que determinou a composição do bailado para Diaghilev, transcrita como demonstração do que violino e piano são capazes, em conjunto, no seu melhor. Os dois intérpretes honram a determinação.

Bruno Monteiro e João Paulo Santos não oferecem só um percurso pelas obras essenciais de Stravinsky para violino e piano. Permitem perceber também como esse caminho se fez de compreensão das capacidades dos instrumentos e de como as transcrições foram essenciais no processo. Na prática, não deixam esquecer como Stravinsky assimilou todos os estilos com que lidou, e construiu uma obra imensa que continua capaz de se superar a si mesma.

Brincalhão e com tecnologia incrível

Se quer enfrentar todo o espírito sensual de Stravinsky com um instrumento solo, precisa de manobrabilidade, precisa de dominar uma gama deslumbrante de expressões - o violinista Bruno Monteiro definitivamente não deixa nada a desejar e pode contar com o pianista João Paulo Santos como parceiro soberano!

Corajosos, entusiasmados em tocar e abençoados com uma tecnologia estupenda, ambos mergulham na aventura. Isso consiste em nada menos que agrupar a variedade de cores orquestrais na dupla de violino e piano. Onde ocupações maiores chamam a variedade de cores de todos os instrumentos envolvidos, Bruno Monteiro sozinho evoca uma paleta não menos luminosa de estilos de linha em mudança, acentos dedicados, pressão de mudança nas cordas, flagolets ou o oposto. Às vezes isso parece quase radical, mas sempre serve ao objecto de maneira plausível. O carácter da música pode ser experimentado novamente, mas permanece fiel a si mesmo.

Impressões sonoras em negrito

Com uma linha ampla, Monteiro coloca a introdução à Suite Italienne no canto e também desenvolve estilo e variedade de dança suficiente nos seguintes andamentos. Impressões sonoras ousadas, pesquisando aventuras harmónicas, uma interacção mais sútil de luz e sombra anunciam uma nova era no subsequente Divertimento The Fairy Kiss. Ainda mais expressão e coragem para a dissonância respiram o espírito de um novo presente e futuro incerto no Duo Concertant.

Não é à toa que as três peças da Firebird Suite formam um concentrado igualmente multifacetado. Efeitos de flagolet sem vibrato, impulsos percussivos duros e habilidades motoras repetitivas - tudo isso é o que Monteiro chama de cordas, enquanto as escalas do piano mantém tudo a funcionar como uma máquina de movimento perpétuo. Limpe o palco para o grande final, a "Danse Russe" de Petruschka! Aqui, também, o violino é chato, áspero e nunca suavizado e em discurso suave com seu parceiro no piano. Nesse momento, pode-se pensar que Stravinsky compôs tudo isto apenas para estes dois experientes músicos de câmara de Portugal.

A obra mais antiga é a 'Suite Italienne', de seis andamentos, para a qual Stravinsky usou partes de seu ballet 'Pulcinella'. Em 1925, ele escreveu a primeira versão para o violinista Paul Kochanski; em 1932 a segunda - agora para violoncelo e piano e em 1933 a versão que encontramos neste álbum. A propósito, esta é a versão que é mais tocada. A base da peça está na Commedia dell'arte e na música atribuída a Giovanni Pergolesi há um século. Foi Sergei Djagilev quem pediu uma adaptação a Stravinsky. A música é obviamente dançável, com um aceno para o Renascimento, mas de acordo com a história também há claramente um tom triste. Uma atmosfera que Monteiro e Santos sabem como atingir.

O 'Divertimento', também de 1932, onde Stravinsky se baseou na música de balé para 'Le baiser de la fée' ou em inglês 'The Fairy Kiss' de 1928, combinado com peças do 'Humoresque, opus 10' e ‘Nocturne, opus 19 ', ambos de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Mais forte que a suíte Italienne, em parte porque Stravinsky não estava apegado ao padrão renascentista aqui, esta peça tem um tom claramente dramático. Além disso, o ritmo forte destaca-se, por exemplo, nas 'Danses Suisses'. Stravinsky também adaptou partes para as suas violetas 'L'Oiseau de Feu' e 'Petroesjka' para violino e piano. A mais impressionante é o tranquilo 'Prélude et Ronde des princess', a primeira parte da suíte de três partes em que ele toca. Baseado em L'Oiseau de Feu.Juntamente com Stravinsky, Dushkin também estreou o 'Duo Concertant' em 23 de Outubro de 1932. a única peça nesta série que Stravinsky não se baseou no trabalho existente. Na "Cantilene", os dois instrumentos seguem claramente o seu próprio caminho, para se complementarem lindamente no "Epílogo I". Novamente, um ritmo poderoso, que é um desafio particular para o violinista, que Monteiro sabe exactamente como lidar. Também especial é o 'Gigue', vagamente baseado em Bach.

O Beijo da Fada, escrito na primavera de 1932, é uma homenagem a Tchaikovsky. De facto, para este trabalho, Stravinsky compôs o seu Divertimento, tendo como tema o ballet Tchaikovsky's Sleeping Beauty . Nesse sentido, Stravinsky deu o contrário: a suíte orquestral de 1934 (suite do The Fairy's Kiss) é essencialmente uma orquestração do Divertimento. Bruno Monteiro e João Paulo Santos incutem carácter neste trabalho e conferem-lhe um poder quase enigmático. De fato, eles dão grande profundidade ao tão distinto Stravinsky, que nada mais era do que um grande fascínio pela dança.

O Duo Concertante é um trabalho que contrasta com os outros dois pela austeridade com que o compositor constrói os cinco andamentos. Destacamos o Dithyrambe que, como é sabido, era um hino grego antigo cantado e dançado em homenagem a Dionísio. O compositor recria um mundo bucólico de sons muito agradáveis.

A seguir, estão as Três Peças do Firebird, KC 10, que são pequenas miniaturas, transcritas para violino e piano a partir da música do mencionado ballet.

A Danse Russe também é uma peça virtuosa, transcrita em 1933 do ballet Petrushka (1911), com revisões de Dushkin.

Os dois músicos criaram brilhantemente uma performance musical que gera um círculo virtuoso entre orquestração e transcrição.

(…) Qualquer violinista que escolha tocar estas obras, deve provar ser tão capaz de fazê-lo quanto Bruno Monteiro.

(…) As performances de Monteiro e Santos são a maneira de ouvi-las.

(…) O Divertimento, um arranjo de Dushkin em colaboração com o compositor de música do Le baiser de la Fée, recebe uma performance altamente empenhada, honrando totalmente os contrastes que são uma parte vital desta música de Stravinsky devido à sua propensão à justaposição de blocos. Poderíamos enfrentar Mullova, Repin e Judith Ingolfsson (a última das quais com Sonatas de Fauré com Vladimir Stoupel que eu gostei muito, Fanfare 40: 5). O que caracteriza as melhores performances é a sensação de ritmos sólidos, quase nunca apressados; e Monteiro e Santos são os únicos nisso. Eles encontram inteligência e leveza balística nas texturas muitas vezes sobressalentes de Stravinsky. Mas também encontram profundidade nesta peça muito especial. O caminho de Monteiro com o gesto repetido é excepcional, geralmente glacial da maneira objetiva de Stravinsky.

(…) O Duo Concertant nos leva a um mundo muito diferente. Num nível, ouvimos um Stravinsky "mais puro", ainda mais destilado; por outro, ouvimos a clara influência de Bach. O "Dithyramb" final tem uma pureza e profundidade sobrenaturais. A gravação de Wolfgang Schneiderhan com Carl Seeman desta peça tem um sentido real de retidão, mas Monteiro e Santos correspondem com força interpretativa nota por nota.

(…) Quão puro é o registro estratosférico de Monteiro (e quão bela é a contribuição de Santos) no final da "Ronde des princesses".

(…) A "Danse russe" de Petrushka é quase oferecido na forma de um encore. Ambos os músicos lidam com a enorme ascensão ao retorno do tema de abertura de maneira brilhante e, novamente, esse sentido de desconstrução faz maravilhas ao reformular a peça para o ouvinte. E, novamente, esse domínio rítmico de ambos é incrivelmente persuasivo.

(…) A gravação é excelente, lindamente presente e com a distância certa entre violino e piano.

Stravinsky escreveu bastante música para violino e piano, principalmente por causa de sua estreita relação de trabalho com o violinista Samuel Dushkin. A sua colaboração, especialmente íntima por um período de oito anos, nas décadas de 1920 e 1930, cobriu o período da carreira de Stravinsky descrito - muito para seu aborrecimento - como neoclássico, quando ele se interessou tanto por formas e compositores mais antigos, incluindo, nomeadamente Pergolesi em Pulcinella. Para muitos ouvintes, a música desse período tem uma acessibilidade nem sempre encontrada no serialismo da década de 1950, embora o 'choque do novo' dos três grandes balés de Diaghilev muitas vezes ocultasse as continuidades de compositores anteriores.

A encantadora Suíte italienne, em seis andamentos, baseia-se principalmente nos temas de Pulcinella, com excepção do breve Scherzino. As forças reduzidas chamam a nossa atenção para a linha melódica, bem como para os elementos clássicos. A Suíte é notável tanto por sua variedade quanto por uma unidade rítmica distinta que, no entanto, capta parte do carácter da época de Pergolesi.

O Divertimento para violino e piano The Fairy's Kiss, de 1932, é um trabalho mais substancial. Hoje, o título original do balé de 1928, é mais comumente substituído pelo original Le Baiser de la fée. A suíte ouvida aqui, como o balé, é uma homenagem prolongada a Tchaikovsky, mas também se baseia em trabalhos adicionais, incluindo a Humoresque de 3 Morceux (Op.9) e o Nocturno de 6 Pieces (Op.19). Curiosamente, a Suite para Orquestra de 1934 é essencialmente uma orquestração do Divertimento, em vez de se limitar aos temas do balé original.

O Duo Concertant não se baseia directamente em um ballet anterior, mas os cinco andamentos que demonstram o fascínio de Stravinsky pelas formas de dança anteriores. A influência de Bach é forte. Embora tudo seja contido, mesmo austero, há um forte sentido de canção. O andamento final, Dithyrambe, é notável, e eu voltei a ele várias vezes. No geral, achei esta a obra mais significativa do disco, pela sua profundidade.

As duas peças finais são essencialmente peças virtuosas, o que teria encantado o público da altura. O programa deste lançamento é o programa visitado por Stravinsky e Dushkin, durante vários anos - e funciona muito bem. Os portugueses Bruno Monteiro e João Paulo Santos, não exclusivamente músicos de câmara, trabalham juntos há muitos anos, e seu relacionamento é evidente na sua confiante antecipação e mistura de sons. A forma de tocar de Monteiro é tão precisa quanto Stravinsky gostaria, e o seu som tem uma astúcia e adstringência inteiramente apropriadas para este repertório. Existem gravações alternativas das obras, nomeadamente de Lydia Mordkovich em Chandos (CHAN9756). Especialmente interessante é uma gravação do Duo Concertant, de Stravinsky e Dushkin, com um som extraordinariamente bom, da T.E Lawrence's Record Collection em Cloud's Hill, disponível para download na Trunk Music. O som de Dushkin é - mesmo gravação de quase noventa anos - notavelmente mais suave que Monteiro e faz um contraste fascinante.

Os valores de produção são altos, com boas notas de programa de Bruno Monteiro e uma gravação muito clara."

A Suite Italienne foi escrita em 1920, quando Stravinsky tinha 28 anos. O jovem compositor já havia escrito toda uma série de músicas e balés de inspiração poética quando escreveu esta suíte. Ele sentiu necessidade de outra inspiração. Encontrou-a no início da música. Isso também é muito bem ouvido durante o programa. Uma clara influência de Pergolesi. Especialmente durante o segundo dos seis andamentos - Serenata - pode-se experimentar a faceta passiva reconhecível dessa influência. Andamentos três e quatro (Tarantella e Gavotta con due Varizioni) são mais inspirados na dança. No entanto, um Stravinsky muito diferente do que se está habituado a experimentar ao ver/ ouvir num de seus ballets.

O fato de Monteiro e Santos terem optado por um cenário audivelmente austero leva a música de Stravinsky de volta à origem, à essência. Ouve-se pura beleza instrumental, juntamente com toda a fantasia por trás da história. Essa ideia foi fundada na colaboração e amizade entre Stravinsky e o violinista Samuel Dushkin (1891-1976), um aluno de Fritz Kreisler e outros. As composições deste álbum enfatizam as suas pesquisas conjuntas pelo som. Parece um pouco bolha do tempo, uma representação de como pianista e violinista serenos abordam a partitura e a criação de sons juntos, sem o aspecto teatral que ocorrerá depois nos palcos. Novo Mundo e morre nos Estados Unidos com uma idade abençoada‍.

Ao visualizar o curriculum vitae dos dois músicos performativos deste álbum, é possível estabelecer o mesmo caminho artístico, uma jornada pela música clássica antiga, para experimentar e identificar.

Imagine passar por uma janela aberta este domingo de manhã e verá dois músicos trabalhando e que lhe mostram pura e sem adulteração o que está acontecendo nas suas imaginações e isso faz sonhar. Encontrará isso neste álbum.

Um extra interessante é que a capa é uma obra da artista Wassily Kandinsky (Moscovo 1866-Neuilly-sur-Seine 1944) Developpement e Brun de 1933 que reflecte o carácter do álbum. Cores quentes que dão pequenas dicas à arte do velho mundo, exibidas em elegantes padrões modernos, cercadas pela luz."

“Não fosse o modelo que Mozart estabeleceu como compositor 'prodígio', seria difícil imaginar que um adolescente pudesse criar músicas de grande intensidade e complexidade. No entanto, esse é o legado que Guillaume Lekeu deixou no final do século XIX. Apenas 24 anos quando ele morreu, em 1894, Lekeu compôs uma série impressionante de obras de música de câmara, e 2 delas são exibidas nesta nova gravação da Brilliant Classics. Apresentando um trio de excelentes músicos portugueses, o programa deslumbra com passagens poderosamente extrovertidas, enquanto projecta uma atmosfera de seriedade, até tristeza.É uma música maravilhosa, e definitivamente recomendo o disco para todos os devotos de música de câmara."

O facto de este triunvirato português ter atribuído o seu nome a esta bela música, mas em parte ainda pouco conhecida, dá uma sensação calorosa que se encaixa perfeitamente com o sol ibérico e com a paisagem lírica pronunciada, banhada pelo sol, mas por vezes também irregular no distante. A gravação permite ouvir os mínimos detalhes. O nome do afinador do piano. Paulo Pimentel, é mais do que justificado: ele forneceu um Steinway perfeitamente afinado. O violinista foi responsável por toda a produção, o que faz uma contribuição muito valiosa para que esperançosamente renasça Lekeu. Agora é a hora."

A produção de câmara, entre as Sonatas para violino e violoncelo, o trio e o Quarteto com piano em Sol menor, e a produção orquestral, com estudos sinfónicos e o Adágio para orquestra, mais alguns fragmentos de obras inacabadas, permitiram há cerca de 20 anos, a edição em CD da Ricercar que reuniu músicos como os pianistas Luc Devos, Catherine Mertens e Daniel Blumenthal, os violinistas Philippe Hirshhorn, Philippe Koch e Anne Leonardo, os violoncelistas Luc Dewez e Marie Hallynck, o organista Bernard Foccroulle, cantores como a soprano Greta de Reyghere e tenor Guy De Mey.

Esta foi a primeira e única integral publicada até a data do trabalho de Lekeu. Até então - e depois - as gravações eram sempre dominadas pela Sonata para Violino, acompanhadas de uma ou mais peças do compositor ou composições de seu mestre César Franck. É o caso da premiadíssima versão de Gerard Poulet e Noel Lee (Arion), do encontro de Augustin Dumay e Jean Philippe Collard, que cruzam Debussy e Ravel (Erato), ou a referência de décadas de Arthur Grumiaux e Dinorah Varsi (Philips), o Spiller Trio (Artes), com o Trio com Piano, e a célebre gravação de Alina Ibragimova e Cédric Tiberghien (Hypérion), com obras completas para violino e piano, são dois álbuns dedicados inteiramente ao compositor belga, que se destacam na discografia existente. O novo álbum de Bruno Monteiro e João Paulo Santos, com o violoncelista Miguel Rocha, obviamente junta-se ao grupo dos eleitos.

Violinista e pianista, que têm anos de cumplicidade, com todos os programas executados em concerto, ao vivo, antes de qualquer gravação, são perfeitos na Sonata em Sol maior, concluída em 1892, talvez a mais exigente para ambos os instrumentos e a mais madura e conseguida de Lekeu. Aqui há clareza, limpeza e equilíbrio no diálogo entre violino e piano. Monteiro imediatamente seduz no tema de abertura, traçando uma longa e fascinante linha melódica que leva ao coração da obra, com um piano subindo em primeiro plano. A viagem culmina com uma reexposição forte e vigorosa que requer o máximo de ambos os intérpretes. (…)

Mais uma vez, a expressão de Lekeu parece desenhada para o melhor de Bruno Monteiro e João Paulo Santos, que encontram em Miguel Rocha um parceiro no mesmo nível de exigência. A emoção predomina e tudo é superado pelo fulgor. A interpretação dos músicos é extremamente inteligente para acentuar esse lado mais apaixonado da obra, tirando partido do que pode ser a sua própria "imaturidade". Acabam assim por revelar uma visão de conjunto mais rica que enobrece o Trio esquecido de Lekeu. É generoso. Mas também é outro factor de excelência que caracteriza o álbum."

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‍"Bruno Monteiro e João Paulo Santos são amigos de reportórios fascinantes, mas pouco viajados, essas obras entre os séculos que descrevem a ambiguidade do tempo, a incerteza e de mudanças de estilo profundas. Se eles tiveram o seu encontro com a obra para violino e piano de Szymanowski (esses Mitos...), agora seguem para Erwin Schulhoff (1894- 1942), que morreu no campo de concentração de Wülzburg, onde adoeceu mortalmente de Tuberculose. Esta produção de 4 obras (Suite WV18, Sonata n. 1, Sonata para violino solo e Sonata WV83 n. 2) é como um diário de vida do autor, desde a neoclássica Suíte até à Sonata n. 2 de 1927. Schulhoff, ao contrário de outros contemporâneos, não escreve em larga escala, o andamento mais longo encontra-se na Sonata n. 2 (cerca de 6'40 ''). O uso extensivo de surdinas, sonoridades próximas da ironia ou intervalos harmonicamente instáveis, provocada pela busca da modernidade consolidada saem com naturalidade do arco de Bruno Monteiro, grande conhecedor destes reportórios. Estando as obras por ordem cronológica, o ouvinte percebe um Schulhoff cada vez mais moderado (mas nunca muito reflectivo, há muita tensão, como o Andante da Sonata para violino solo e da Sonata. 2, este muito “Bartokiano”), mais criativo e com maior domínio da forma."

O programa contém quatro obras: uma suite para violino e piano, duas sonatas para violino e piano e uma sonata para violino solo. O que as pessoas se devem lembrar, no entanto, é que Schulhoff começou a compor em torno do tempo que a era moderna da música começou, e enquanto ele é claramente vanguardista, inovador e experimental para o seu dia, tem um pé firmemente plantado em melodias e as harmonias da geração romântica mais velha. Assim, sua música é uma espécie de amálgama fascinante do velho e do novo.

De qualquer forma, Monteiro organizou a ordem do programa em ordem cronológica, começando com a suíte de cinco andamentos, que data de 1911. Tem uma perspectiva geralmente positiva e feliz, com o violinista deleitando com a sua forma de tocar quase clássica. O som de Monteiro é sempre limpo, dourado e vibrante, qualidades que mantém durante todo o programa. Os segmentos interiores do minueto e da valsa parecem os mais aventureiros, contudo nunca se tornam objecionáveis nas suas excentricidades. O andamento final termina a peça com algo originalmente intitulado "Dança dos Pequenos Diabos", e é encantador nas suas delícias travessas, pelo menos a maneira como Monteiro e Santos o tocam.

Os três itens seguintes são mais abertamente "modernos", sendo um pouco menos harmoniosos ou melódicos. A primeira sonata tem mais partidas e chegadas, com seções mais contrastantes e um impulso rítmico mais enfático. No entanto, para todas as suas esquisitices vem com um humor atraentemente pensativo sob a orientação de Monteiro e Santos.

Na obra para violino solo, Monteiro não só mostra seus talentos mais virtuosísticos, mas também exibe os seus conhecimentos e sentimentos pelas as expressões do jazz adoptadas por Schulhoff. Finalmente, na segunda sonata, ouvimos um sentimento mais dançante do compositor, provavelmente por ele abraçar mais os elementos folclóricos nativos de seu país. Não espere Dvorak, mas compreenda a ideia. Começa vigorosamente, energicamente, seguido por um andamento lento altamente expressivo e retornando nos segmentos finais a alguns dos mesmos temas com os quais a música começou. Mais uma vez, Monteiro e Santos fazem um duo esplêndido, mantendo o drama da obra movendo-se em frente com um encantamento pulsante e cintilante.

O produtor Bruno Monteiro e o engenheiro e editor José Fortes gravaram o álbum na Igreja da Cartuxa, em Caxias, Portugal, em Abril de 2016. A igreja é uma excelente sala para os músicos, o som assumido com um toque de reverberação natural sem afectar de forma alguma a total transparência dos instrumentos. Temos clareza e impacto dinâmico em abundância, além de uma separação realista dos músicos, tornando a audição agradável e realista."

Esta coletânea é inteligentemente tocada por ordem cronológica, mostrando-nos desta forma a evolução do Compositor. A primeira obra, a Sonatina nº1, é verdadeiramente original e todas estas peças, quer sejam para violino e piano ou violino solo, valem mesmo o tempo e atenção dos amantes da Música.

A gravação é admiravelmente viva e toda a apresentação do CD é mais uma feliz realização da Naxos."

"Bruno Monteiro continua a viajar por estradas traseiras do repertório de câmara para violino entre séculos. Depois de seu CD de Erwin Schulhoff, desta vez parou em Karol Szymanowski, o brilhante compositor polaco não classificado, que praticamente compartilharia o seu lugar com Janácek, Scriabin, Martinu ou Enescu, entre outros, pois esse período favoreceu a abertura de espíritos livres contra a corrente. Esta gravação mostra toda a sua obra para violino e piano, que inclui peças pequenas, como a Ária de Roxana de King Roger (ópera fundamental do século XX), uma dança tirada do ballet de Harnasie ou a Dance Sauvage, entre outros, com obras de maior substância como a Sonata Op. 9 (1904), de ressonâncias Franckianas e, especialmente, Mitos Op. 30 (1915), uma das suas obras-primas, um tríptico "grego" no qual ele escreve os mitos com uma nova técnica de escrita para o violino. A leitura profunda do violinista português, com seu habitual pianista João Paulo Santos, explica e esclarece muito bem o pentatonismo, a harmonia quase dodecafônica ou os intervalos do estilo de Alois Hába. Já havia uma grande integral desta música por Ibragimova e Tiberghien (Hyperion), a que é adicionada esta em intenções iguais para consolidar, para música, interpretação e a necessidade de conhecer melhor o grande Szymanowski."

"... certamente muitíssimo expressivo, tal como a maneira de tocar do excelente artista Bruno Monteiro e do seu dotado pianista.
Esta coletânea é inteligentemente tocada por ordem cronológica, mostrando-nos desta forma a evolução do Compositor. A primeira obra, a Sonatina nº1, é verdadeiramente original e todas estas peças, quer sejam para violino e piano ou violino solo, valem mesmo o tempo e atenção dos amantes da Música.
A gravação é admiravelmente viva e toda a apresentação do CD é mais uma feliz realização da Naxos."

"Trata-se muitas vezes Fernando Lopes-Graça (1906-1994) como um agente envolvido em obscuros processos históricos. Mas, simplesmente, como a tantos outros, aconteceu-lhe o Estado Novo, que lhe deu ordem de prisão e arresto, lhe censurou escritos e ditos, criminalizou a profissão, mobilizou o espírito, ilegalizou a vida e, em certa medida, perigou a posteridade. Por isso há quem o veja à luz do maniqueísmo. Bem o sabe Bruno Monteiro, que, em declarações ao Expresso, sintetiza assim a questão: “A dualidade existe, sem dúvida. Mas é o que torna [esta] música tão interessante. Lopes-Graça, com as suas convicções políticas, sociais, musicais, estéticas, é, no fim de tudo, humano. Essa foi a nossa principal preocupação: trazer ao de cima o [seu] lado humano.” Coligindo esta importante integral que perpassa décadas de criação — partindo de um par de expressivas sonatinas, opúsculos 10 e 11, que remontam aos anos trinta, e terminando no algo mórbido “Adágio Doloroso e Fantasia”, Op. 242, de finais de oitenta —, Monteiro e João Paulo Santos compreenderam que o maior dos comprometimentos do compositor logo se escorava na definição e esponsabilidade intelectual. Por exemplo, em 1948 (ano da adesão oficial de Lopes-Graça ao PCP), em Portugal, ser comunista seria, decerto, uma oportunidade de partilhar de uma dignidade comum, mas Lopes-Graça jamais ignorou que, na música, a ideologia é como aquelas presenças nas nossas vidas cuja companhia nas doses erradas envenena e nas inversas inebria. Especificamente na sua dimensão camerística, aqui, ainda que se identifique impotência na forma, nunca se vislumbra vulgaridade no conteúdo. Com outra feição — porventura mais vaidosa ou rancorosa ou sublinhando em exagero miasmas e assimetrias — o que está neste CD escorregaria em absoluto para um cárcere do qual poderia não tornar. Diria o violinista que o próprio material proíbe leituras lineares: “Todas as obras são relativamente curtas, mas todas [são] completamente contrastantes. Até dentro de uma mesma peça, todos os andamentos são diferentes entre si. Não há continuidade. Somos obrigados a estar permanentemente a mudar de emoções e a ficar alerta, pois o carácter, a velocidade, a estrutura interior se altera constantemente.” Depoimento suficiente para se entender que este património não se deixa cativar por qualquer sistema. Aliás, em tempo algum se fixará em definitivo o que pressupõe uma identidade cultural de tal modo volátil, um virtuosismo que não depende só dos caprichos da invenção, sons provocantemente dependurados das esquinas da tonalidade. Monteiro e João Paulo têm noção de que pode seguir-se a democracia à ditadura, a liberdade à repressão, e haver sempre quem julgue que se trocou um inferno por outro. Um disco destes afasta do pensamento tão sombria ideia."

"Ambas obras estão maravilhosamente bem tocadas aqui e otimamente gravadas com um balanço natural que é impressionante". (Saint-Saens/Strauss Sonatas para Violino e Piano)."